Blog da Sibucs

Luíza estava no Canadá. Mas já voltou.

2012-01-19T14:41:00.003-02:00

"Luíza? Aí ela está. E por que procurá-la, se ela existe há anos e anos. Porém, essa - a obra de arte de Tom - não está apenas no Canadá. Essa atravessa fronteiras e fronteiras todos os dias, divulgando as belezas do único país com nome de árvore em todo planeta: Brasil. Vai Luíza..."
(Ricardo Nascimento)

Luiza

Composição: Antônio Carlos Jobim

Rua,
Espada nua
Boia no céu imensa e amarela
Tão redonda a lua
Como flutua
Vem navegando o azul do firmamento
E no silêncio lento
Um trovador, cheio de estrelas
Escuta agora a canção que eu fiz
Pra te esquecer Luiza
Eu sou apenas um pobre amador
Apaixonado
Um aprendiz do teu amor
Acorda amor
Que eu sei que embaixo desta neve mora um coração

Vem cá, Luiza
Me dá tua mão
O teu desejo é sempre o meu desejo
Vem, me exorciza
Dá-me tua boca
E a rosa louca
Vem me dar um beijo
E um raio de sol
Nos teus cabelos
Como um brilhante que partindo a luz
Explode em sete cores
Revelando então os sete mil amores
Que eu guardei somente pra te dar Luiza
Luiza
Luiza

Shadow Art

2012-01-17T12:22:00.000-02:00

Muito interessante, ne?
Não sei quem são os artistas... mas fica a inspiração!
Cintia

Via: 9gag.com

Pintura em 3D

2012-01-13T12:36:00.000-02:00

Arte sem limites do artista japonês Riusuke Fukahori em 3D.
Reparem da delicadeza dos traços e o cuidado com o acabamento. O cara é mesmo um gênio!
O trabalho consiste em derramar resina líquida num recipiente de madeira e depois ir pintado em cada camada, quando esta se torna sólida. O processo vai sendo repetido até o fim e com isso ele é capaz de criar peixes muito realistas.

Veja agora mais algumas de suas obras:

Arte diferenciada

2012-01-11T10:15:00.000-02:00

Todo artista ao longo de sua carreira, procura sempre inovar sua produção, procurando caminhos diferenciados com experimentos e técnicas, afim de aprimorar seu trabalho e descobrir novas formas para o fazer artístico. Seguindo essa linha de raciocínio, o artista Aécio Sarti decidiu organizar a mostra "Ensaios", na qual mostra essas experiências para o público. A exposição pode ser vista na Casa de Cultura de Paraty.
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Produção artística
Artista utiliza materiais inusitados como lona de caminhão, sacos de cimento e velas de barco para criar suas telas
Em: 10/01/12
Por: Débora R. Anibolete, para o jornal Diário do Vale

A exposição do artista Aécio Sarti, atualmente na Casa de Cultura de Paraty, traz as últimas criações do artista e conta somente com obras inéditas.

"Essa mostra é uma espécie de brincadeira que eu fiz com o processo criativo. São os ensaios que eu venho realizando nos últimos meses, usando técnicas diferentes e novos suportes para as minhas obras" - explica o artista.

A exposição é composta por 25 trabalhos, que trazem figuras humanas pintadas em telas feitas de materiais reciclados, como lona de caminhão, sacos de cimento e velas de barco usadas. As peças chamam a atenção pela riqueza de cores e pelos tamanhos grandiosos, elementos que são a marca do trabalho de Aécio.

"Sempre gostei de pintar pessoas. É uma fascinação que eu tenho desde que comecei a pintar. Também costumo utilizar materiais diferentes para pintar, e faço telas de grande porte. Nessa exposição, por exemplo, todos os trabalhos têm mais de um metro e meio e alguns chegam até a dois metros de altura" - destaca Aécio.

Entre as imagens mais intrigantes, o artista ressalta as peças "Soraia", "Bela" e "Perfume Barato", que retratam três mulheres com identidades distintas.

"Nos meus trabalhos anteriores, eu sempre retratava os rostos humanos com expressões serenas. Essa exposição traz uma tela diferente, na qual eu pintei uma mulher com expressões fortes, parecendo uma vampira. Para criar um contraste, fiz uma peça que é o oposto, com uma mulher de feições meigas. Tem também outra tela, que traz uma senhora que usa muitas cores que não combinam entre si" - elege.

Acostumado a deixar seu trabalho exposto permanentemente em seu ateliê, que está sempre com as portas abertas, o artista decidiu montar uma exposição tradicional pela primeira vez na cidade, onde mora há cerca de sete anos.

"Costumo dizer que meu ateliê é uma porta aberta. Desde que me mudei para a cidade, sempre permiti que as pessoas entrassem para conhecer o meu trabalho. Sempre recebo moradores da cidade, turistas, crianças, estudantes e deixo que eles vejam como é a produção artística dentro de um ateliê. Acho fantástico esse contato com o público. Gosto de conversar com as pessoas e explicar como produzo as minhas obras" - conta.

Nascido em Aracaju, em 1959, Aécio Sarti começa a se dedicar à pintura ainda na infância. Aos 14 anos, já vende suas obras pela cidade, antes mesmo de ter sua primeira aula de arte, o que só acontece quando ele já completa 16 anos. Em 1978, Aécio muda-se para os Estados Unidos, usando o dinheiro que consegue com a venda de suas telas. No país, o artista estuda artes no Colorado Institute of Artsen Denver.
De volta ao Brasil, Aécio consegue se consolidar no meio artístico e se firma como artista de renome internacional, realizando exposições em vários lugares pelo mundo.

Expõe seus trabalhos em galerias nos Estados Unidos, Espanha, Buenos Aires e em Santiago de Compostela. Tem colecionadores de suas obras no mundo inteiro e frequentemente recebe convites para produzir novas exposições.

Após passar por muitos lugares, há sete anos o artista decide fixar-se em Paraty, local com o qual ele afirma ter uma ligação especial: "Eu ouvia falar sobre Paraty e tinha muita curiosidade de conhecer a cidade, mas nunca conseguia ter uma oportunidade. Quando finalmente tive uma chance, resolvi me mudar direto para a cidade, sem saber como seria e não me arrependo. Hoje posso dizer que encontrei meu lugar. Aqui me sinto querido e tenho o meu trabalho reconhecido pelos moradores. Por isso essa exposição para mim é muito especial, pois é um momento em que apresento o meu trabalho no lugar que escolhi para ser a minha cidade" - conta, emocionado.

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“Ensaios”
Onde: Casa de Cultura de Paraty - Rua D. Geralda, nº 177, Centro Histórico.
Quando: até 07 de fevereiro de 2012
Horário: de quarta a segunda-feira, das 10h às 18h30.
Contato: (24) 3371-2325

Menos TV, mais arte.

2012-01-03T16:04:00.001-02:00

Menos TV, mais arte.
Anúncio criado para o MASP, Museu de Arte de São Paulo, pela agência DM9.
Mas bem que poderia ser "mais arte na TV"!

O Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, é uma das mais importantes instituições culturais brasileiras. Localiza-se, desde 1968, na Avenida Paulista, São Paulo, em um edifício projetado pela arquiteta ítalo-brasileira Lina Bo Bardi para ser sua sede.

Famoso pelo vão-livre de mais de 70 metros que se estende sob quatro enormes pilares, concebido pelo engenheiro José Carlos de Figueiredo Ferraz, o edifício é considerado um importante exemplar da arquitetura brutalista brasileira e um dos mais populares ícones da capital paulista, sendo tombado pelas três esferas do poder executivo.

Instituição particular sem fins lucrativos, o Masp foi fundado em 1947 por iniciativa do paraibano Assis Chateaubriand e do ítalo-brasileiro Pietro Maria Bardi. Possui a mais importante e abrangente coleção de arte ocidental da América Latina e de todo o hemisfério sul, em que se notabilizam sobretudo os consistentes conjuntos referentes às escolas italiana e francesa. Possui também extensa seção de arte brasileira e pequenos conjuntos de arte africana e asiática, artes decorativas, peças arqueológicas etc., totalizando aproximadamente 8 mil peças. O acervo é tombado pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN). O museu também abriga uma das maiores bibliotecas especializadas em arte do país.

Quando a sede do Masp se fixou na Av. Paulista, foi preciso projetar um prédio no qual a vista da cidade fosse preservada, através do vale da Av. Nove de Julho. Foi então que Lina Bo Bardi, começou a idealizar o projeto.

Para preservar a vista exigida para o centro da cidade era necessário ou uma edificação subterrânea ou uma suspensa. A arquiteta optou por ambas as alternativas, concebendo um bloco subterrâneo e um elevado, suspenso a oito metros do piso. A construção é considerada única pela sua peculiaridade: o corpo principal pousado sobre quatro pilares laterais, resultando em um vão livre de 74 metros, à época considerado o maior do mundo. A inovação foi viabilizada pelo trabalho do engenheiro José Carlos de Figueiredo Ferraz, que aplicou na obra a sua própria patente de concreto protendido.

O edifício, projetado em 1958, levou dez anos para ser concluído e foi finalmente inaugurado em 8 de novembro de 1968 na presença do príncipe Filipe e da rainha Elizabeth II, da Inglaterra, a quem coube o discurso de inauguração. Lina Bo coordenou a exposição de abertura intitulada "A mão do povo brasileiro", dedicada à cultura popular do país. A arquiteta inovou na forma de expor a coleção permanente, ao utilizar lâminas de cristal temperado amparados por blocos de concreto como suportes para as pinturas. Paradoxalmente, essa forma de exibição deixou de ser adotada pelo MASP no momento em que, no fim dos anos noventa, passou a ser estudada internacionalmente.

Pra vcs!

2011-12-21T10:58:00.000-02:00

Guernica em 3D

2011-11-21T16:36:00.001-02:00

Video que desmembra a obra Guernica, de Picasso, em 3D! Vale a pena o clique!

Realismo Pop

2011-11-14T14:37:00.001-02:00

A mistura é sempre bem-vinda na arte! Cria-se uma coisa nova, baseando-se em algo que já existiu um dia. É como revitalizar o que já é bom, olhando de um outro ângulo.
Cintia
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Arte Pop e Realismo se juntam em exposição na Livraria Cultura
Obras de Danyael Lopes trazem ícones da mpusica contemporânea em traços singulares
Em 03/11/11
Catraca Livre

A Pop Art teve seu ápice na década de 60, encabeçada por Andy Warhol e Roy Lichtenstein – alertava o homem moderno imerso em suas tecnologias e a massificação geral da cultura.

No Brasil o movimento também agrupou adeptos e teve desdobramentos peculiares, um deles é Danyael Lopes, que expõe seu trabalho na mostra “Realismo Pop” na Livraria Cultura do Shopping Villa Lobos, entre os dias 3 e 30 de novembro, com entrada grátis. De segunda a sábado das 10 às 22h.

A estética das obras fragmenta técnicas características da Pop Art com Realismo, em retratos de Keith Richards, Amy Winehouse, Raul Seixas, entre outros ícones da música.

O Shopping Villa Lobos fica na Av. Nações Unidas, 4777 - Jardim Universidade - Zone Oeste - SP.

Dia D

2011-10-31T13:30:00.001-02:00

D de Drummond. Dia D

Espalhe-se a ideia, tão simples quanto ambiciosa: transformar o dia 31 de outubro, data de nascimento de Carlos Drummond de Andrade, num dia de grande comemoração.

Nas escolas, universidades, livrarias, bares, museus, TVs, rádios, centros culturais e mesmo em solidão, não importa onde e como, que todos se lembrem de festejar Drummond e a sua poesia.

Um outro dia D, para apagar a guerra e saudar a liberdade, a imaginação, a aliança entre os homens de boa palavra.

Dia de festa, para a qual outros poetas devem ser convidados, claro. D é dia de todos, dia dado de bom grado por aquele que nos deu A rosa do povo, Claro enigma, A vida passada a limpo e tantas outras maravilhas.

Dia D. Dia de Drummond

Veja a programação completa aqui!

Grandes Pintores | Piet Mondrian

2011-10-24T10:00:00.000-02:00

Hoje apresento pra vcs um pintor genial que nos influencia até hoje, com suas cores, formas e linhas.

Pieter Cornelis Mondrian, mais conhecido como Piet Mondrian, foi um pintor Holandês modernista. Nascido em ambiente rural com clima de fazenda e sítio, Mondrian vem de uma família calvinista extremamente religiosa. O pai, um pastor puritano, deseja que o filho siga a carreira clerical. Assim, a religião marca o jovem Piet e o sentimento metafísico que iria permear sua obra durante toda a vida, em maior ou menor grau.

Tem um tio que trabalha com pintura e por isso acaba se interessando pela carreira artística, mas a família com visão ortodoxa ve na arte um caminho para o pecado (!!!!). Então, Piet decide dar aulas e assim Vê a possibilidade da resolução ao seu dilema: promete ao pai estudar artes para se tornar professor.

O tempo passa e Mondrian sente-se insatisfeito com o magistério, surge a necessidade de se libertar e se estabelecer como pintor, mas tem medo de enfrentar ao pai e a si mesmo - tamanho o peso de sua formação religiosa. Quando entra em contato com a teosofia, acaba encontrando uma resolução para o problema: a doutrina pregava o trilhar de um caminho evolutivo pessoal e a arte se encaixava neste caminho. O contato com a teosofia se manifesta no trabalho de Mondrian e marca sua vida profundamente daí pra frente.

Piet Mondrian começa sua carreira como caminhoneiro ao mesmo tempo que ia praticando a sua pintura. A maior parte do seu trabalho deste período é influenciada pelo naturalismo ou impressionismo. No museu Gemeente, em Haia, estão expostos vários trabalhos deste período, incluindo exemplares pós-impressionistas tais como "O Moinho Vermelho" e "Árvores ao andar".

Moinho Vermelho

A Árvore Vermelha - 1908

A obra acima, "A Árvore Vermelha" (1908), pertence a uma série de pinturas de árvores. A cor vermelha do tronco, o violeta e o vermelho dos ramos, o azul do fundo, permitiu que Mondrian para criasse uma sensação de espaço sem usar os elementos tradicionais da perspectiva. Ele posicionou o tema no centro da pintura e usado apenas duas ou três graduações de cores nas superfícies de grandes dimensões.

Após entrar em contato com a teosofia, Mondrian passa por um breve período simbolista, que será fundamental para que o artista atinja a fase da abstração. Este período costuma-se confundir com a radical abstração que caracterizaria o resto de sua obra. Mondrian também exibe um interesse quase obsessivo pelo jazz – pela identificação de sua alegria contagiante com o ritmo irregular que possui também um fundamento matemático.

Grey Tree - 1912

Stilleben Mit dem Ingwertopf - 1912

Em 1911, visita uma exposição cubista em Amsterdã que o marca profundamente e tem grande influência no seu trabalho posterior. Na obra acima, pode-se observar essa influência, onde o tema é apenas um pretexto para a construção de elementos estruturais horizontais e verticais que começam e terminam em linhas curvas, na construção de uma superfície bi-dimensional. A partir de 1917 até a década de 1940 desenvolve sua grande obra neoplástica.

Composition with Grey and Light Brown - 1918

Essa fase de sua obra, a mais popularmente difundida, se caracteriza por pinturas cujas estruturas são definidas por linhas pretas ortogonais, às quais induzem a percepção a ver profundidade na tela. Essas linhas definem espaços que se relacionam de diferentes modos com os limites da pintura, e que podem ou não serem preenchidos com uma cor primária: amarelo, azul e vermelho, decisão que mostra sua estreita relação com as teorias estéticas da Bauhaus e da Escola de Ulm, e que definem pesos visuais diferentes para esses espaços. O blocos de cor, pintados de modo fosco e distribuidos assimetricamente, reforçam a ideia de um movimento superficial que se estende perpetuamente, indicando que o pintor investia na percepção de sua obra como uma abstração materialista e sem profundidade, criticando a pintura histórica enquanto produzia uma abstração racionalista, espiritualista e sobretudo concreta do mundo.

Composition II in Red, Blue and Yellow - 1930

Composition with Yellow, Blue and Red - 1937

Composition 10 - 1939

Sua obra, muitas vezes copiada, continua a inspirar a arte, o design, a moda e a publicidade que a apropriam como design, sem necessariamente levar em conta sua fundamental e filosófica recusa à imagem.

O seu quadro "Broadway Boogie Woogie", que pode ser visto no Museu de Arte Moderna de São Francisco, pertence à fase posterior ao Neoplasticismo, quando Mondrian se liberta das regras que ele próprio se impôs.

Broadway Boogie Woogie - 1942

Com esta tela grande, Mondrian representa o movimento numa ordem geométrica pulsante. Esta ordem cria uma estrutura espacial com linhas amarelas que são interrompidas pelo o azul, o vermelho, o cinza. Eles dão a impressão de um vapt-vupt rítmico, que mostra o momento vivido nos bairros da "Boogie Woogie" jazz em NY- que dá nome à pintura. Vermelho, azul, amarelo e superfícies são adicionados à pintura, chegando ao ponto em que ele consegue um equilíbrio total sem o uso de cor preta.

Muitos artistas deram novas representações ao real, mas Mondrian foi além. Ele formulou suas próprias teorias estéticas.

Em suas últimas composições, Mondrian evita qualquer sugestão de reprodução do mundo material, usando linhas pretas verticais e horizontais que delimitam blocos de puro branco, vermelho, amarelo ou azul. Exprime uma concepção, que revelou ser um expoente elevado de harmonia e de beleza.

Nesta procura constante pela harmonia e e pela beleza, Piet Mondrian a encontra a matemática. Ele descobre o famoso número de ouro e com ele chega ao retângulo de ouro. Partilha com Da Vinci a ideia de que a arte deveria ser sinônimo de beleza e movimento contínuo, por isso ambos utilizam o retângulo de ouro. A razão de ouro exprime movimento, pois se mantém em espiral até ao infinito, e o retângulo de ouro exprime a beleza, pois é uma forma geométrica agradável à vista. Assim, o retângulo de ouro passou a ser presença constante nas suas pinturas.

New York City I - 1942

Piet Mondrian morreu de pneumonia, em fevereiro de 1944 em Nova York. A sua última obra, “Victory Boogie-Woogie”, foi deixada incompleta.

Fonte:
Wikipédia
Site Oficial do Artista
Universidade de Lisboa / Piet Mondrian
Mondrian Chronos

A catedral de Gaudí

2011-10-21T11:45:00.000-02:00

Recebi hoje uma apresentação sobre a maravilhosa obra de arte viva de Antoni Gaudí, famoso arquiteto catalão, o Templo da Sagrada Família. É uma beleza brutal e ao mesmo tempo delicada, ousada e imponente. A foto ao lado é da maquete inicial para a construção do templo, datada de 1998.
Gaudí é conhecido por fazer extenso uso do "arco parabólico catenário", que se utiliza das formas comuns na natureza. Era chamado de "arquiteto da natureza" por esse traço marcante em seus trabalhos. Para fazer isso, Gaudí se utilizada de um método de trabalho incomum para a época, utilizando-se de modelos tridimensionais em escala, criadas por ele mesmo, moldadas pela gravidade (!!!): para isso, Gaudí usava correntes metálicas presas pelas extremidades, quando elas ficavam estáveis, ele copiava a forma e reproduzia-as ao contrário, formando suas conhecidas cúpulas catenárias. Genial, heim?!

O templo é também conhecido simplesmente como Sagrada Família. É um grande templo católico da cidade catalã de Barcelona (Espanha). Todo desenhado pelo arquiteto catalão Antoni Gaudí, considerado por muitos críticos como a sua obra-prima e expoente da arquitetura modernista catalã.

Financiado unicamente por contribuições privadas, o projeto foi iniciado em 1882 e assumido por Gaudí em 1883, quando tinha 31 anos de idade, dedicando-lhe os seus últimos 40 anos de vida, os últimos quinze de forma exclusiva.

A construção foi suspensa em 1936 devido à Guerra Civil Espanhola e não se estima a conclusão para antes de 2026, centenário da morte de Gaudí. Em de setembro de 2010 foi definida a conclusão do interior e abertura para cultos e visitas.

O início da obra começou em estilo neogótico, mas o projeto foi reformulado completamente por Gaudí ao assumi-lo. O templo foi projetado para ter três grandes fachadas: a "Fachada da Natividade", quase terminada com Gaudí ainda em vida, a "Fachada da Paixão", iniciada em 1952, e a "Fachada da Glória", ainda por completar.

Segundo o seu proceder habitual, a partir de esboços gerais do edifício, Gaudí improvisou a construção à medida que esta avançava. O templo, quando estiver terminado, disporá de 18 torres: quatro em cada uma das três entradas-portais, a jeito de cúpulas; irá ter um sistema de seis torres, com a torre do zimbório central dedicada a Jesus Cristo, de 170 metros de altura, outras quatro ao redor desta, dedicadas aos evangelistas, e um segundo zimbório dedicado à Virgem. O interior será formado por inovadoras colunas arborescentes inclinadas e abóbadas baseadas em hiperboloides e paraboloides buscando a forma da catenária.

Estima-se que poderá levar no seu coro 1500 cantores, 700 crianças e cinco órgãos. Em 1926, ano em que faleceu Gaudí, apenas estava construída uma torre. Do projeto do edifício só ficaram planos e um modelo em gesso que resultou muito danificado durante a Guerra Civil Espanhola. Desde então prosseguiram as obras: atualmente (2011) estão terminados os portais da Natividade e da Paixão, e foi iniciado o da Glória, estando em construção as abóbadas interiores.

Na Wikipédia, tem muito mais informações detalhadas sobre a construção, desde o início, desse grande patrimônio da humanidade. Vale a pena uma visita para saber mais.

Clique aqui e veja a apresentação completa com 32 fotos sobre a obra!
Fonte: Wikipédia

Ele voltou!

2011-10-17T16:12:00.000-02:00

Sim, Chico Buarque fará uma turnê
Além das músicas do novo CD, o compositor vai cantar antigos sucessos, como Geni e Sonho de Carnaval. Chico não sai em turnê há cinco anos
Em: 13/10/2011
Por: Danilo Casaletti, para Revista Época.

Desde que lançou seu novo álbum, Chico, que chegou às lojas em julho e já vendeu 80 mil cópias, havia uma dúvida se o compositor faria ou não shows para promover seu mais recente trabalho. A resposta chegou nesta quinta-feira (13). A assessoria de imprensa de Chico divulgou que a nova turnê do artista começa no próximo dia 5 de novembro, em Belo Horizonte. Depois, o show segue para Porto Alegre, Curitiba, Rio de Janeiro e São Paulo (confira as datas no final desta reportagem).Outras cidades devem ser incluídas.

O roteiro do show foi construído a partir das dez novas canções lançadas por Chico. Elas serão amarradas por 18 canções de seu vasto repertório. No palco, o artista estará acompanhando por Luiz Claudio Ramos (violonista e arranjador), João Rebouças (piano), Bia Paes Leme (teclados e vocais), Wilson das Neves (bateria), Chico Batera (percussão), Jorge Helder (contrabaixo) e Marcelo Bernardes (flauta e sopros).

Em seu site oficial, o mesmo pelo qual lançou seu disco, Chico postou um vídeo falando sobre a turnê. “Vamos mostrar uma pouco da nossa bagunça”, diz o compositor, referindo-se ao ensaio. Chico também diz que enquanto gravava o disco não quis pensar em turnê, mas depois mudou de ideia. “Fiquei com vontade de cantar ao vivo as músicas do disco”.

No video, Chico dá algumas dicas das canções antigas que devem estar no show, como “Sonho de Carnaval”, uma das primeiras músicas gravadas por ele. “Ela foi reservada para o bis. Isso é, se pedirem bis”, diz. Outro grande sucesso dele, “Geni”, nunca cantada em shows por ele, também vai estar no roteiro, segundo Chico.

A última turnê de Chico aconteceu em 2006, quando ele lançou o elogiado álbum "Carioca". A apresentação rendeu um DVD. Aliás, sair com um espetáculo após lançar um trabalho não é algo que atraia muito o compositor. Apesar de já ter lançado mais de 40 discos, nos últimos 36 anos, Chico saiu em turnê apenas seis vezes: Chico e Bethânia (1975), Francisco (1988), Paratodos (1994), As Cidades (1999) e Carioca (2006).
(fim da matéria)
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Os fãs devem estar apreensivos com essa novidade, já que não é sempre que o ídolo da mpb dá o ar de sua graça nos palcos. O grande ícone da música nacional, começa sua carreira na década de 60 se destacando em 1966 quando vence o Fesival de Música Popular Brasileira com a canção "A Banda".

Pouco antes disso, em 63, ingressa no curso de Arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU). Porém, cursa apenas dois anos e para em 1965, quando começa a se dedicar à carreira artística.
Conhece Elis Regina, que havia vencido o Festival de Música Popular Brasileira em 65 com a canção "Arrastão", mas a cantora acabou desistindo de gravá-la devido à impaciência com a timidez do compositor. Chico Buarque revela-se ao público brasileiro quando ganha o mesmo Festival no ano seguinte (1966), transmitido pela TV Record, com "A Banda", interpretada por Nara Leão (empatou em primeiro lugar com "Disparada", de Geraldo Vandré e interpretado por Jair Rodrigues ). No entanto, Zuza Homem de Mello, no livro "A Era dos Festivais: Uma Parábola", revela que "A Banda" venceu o festival. O musicólogo preserva por décadas as folhas de votação do festival. Nelas, consta que a música "A Banda" ganhou a competição por 7 a 5. Chico, ao perceber que ganharia, vai até o presidente da comissão e diz não aceitar a derrota de "Disparada". Caso isso acontecesse, iria na mesma hora entregar o prêmio ao concorrente. No dia 10 de outubro de 1966, data da final, se inicia o processo que torna Chico Buarque uma unanimidade nacional, alcunha criada por Millôr Fernandes.

Chico e seus amigos do MPB-4

No festival de 1967 faz sucesso também com "Roda Viva", interpretada por ele e pelo grupo MPB-4 — amigos e intérpretes de muitas de suas canções. Em 1968 volta a vencer outro Festival, o III Festival Internacional da Canção da TV Globo. Como compositor, em parceira com Tom Jobim, com a canção "Sabiá". Mas desta vez a vitória foi contestada pelo público, que preferiu a canção que ficou em segundo lugar: "Pra não dizer que não falei de flores", de Geraldo Vandré.

Socialista declarado, Chico se autoexila na Itália em 1969 devido à grande repressão da ditadura militar no Brasil. Lá faz espetáculos com Toquinho e tem suas canções "Apesar de você" (que dizem ser uma alusão negativa ao presidente Emílio Garrastazu Médici, mas que Chico sustenta ser em referência à situação) e "Cálice" proibidas pela censura brasileira. Adota o pseudônimo de Julinho da Adelaide, com o qual compôs apenas três canções: "Milagre Brasileiro", "Acorda amor" e "Jorge Maravilha". Na Itália Chico torna-se amigo do cantor Lucio Dalla, de quem fez a belíssima "Minha História", versão em português (1970) da canção "Gesù Bambino" (título verdadeiro 4 marzo 1943), de Lucio Dalla e Paola Palotino. Em viagem a França, torna-se amigo de Carlos Bandeirense Mirandópolis inspirando-se em uma de suas composições para criar a famosa "Samba de Orly".

Ao retornar ao Brasil, em 1970, se torna um dos artistas mais ativos na crítica política e na luta pela democratização do país. Continua com composições que denunciavam aspectos sociais, econômicos e culturais, como a célebre "Construção" ou a divertida "Partido Alto". Apresenta-se com Caetano Veloso (que também foi exilado, mas na Inglaterra) e Maria Bethânia. Teve outra de suas músicas associada a críticas a um presidente do Brasil. Julinho da Adelaide, aliás, não era só um pseudônimo, mas sim a forma que o compositor encontra para driblar a censura, então implacável ao perceber seu nome nos créditos de uma música. Para completar a farsa e dar-lhe ares de veracidade, Julinho da Adelaide chega a ter cédula de identidade e até mesmo concede entrevista a um jornal da época.

Uma das canções de Chico Buarque que critica a ditadura é uma carta em forma de música, uma carta musicada que ele fez em homenagem a Augusto Boal, que vivia no exílio, quando o Brasil ainda vivia sob a ditadura militar. A canção se chama "Meu Caro Amigo" e é dirigida a Boal, que na época estava exilado em Lisboa. A canção foi lançada originalmente num disco de título quase igual, chamado "Meus Caros Amigos", do ano de 1976.

O "Eu Feminino" é outro traço marcante na carreira de Chico. São muitas composições que se notabilizam pela decantação de um "eu" feminino, retratando temas a partir do ponto de vista das mulheres com notória poesia e beleza. Esse estilo é adaptado em "Com açúcar e com afeto" escrito para Nara Leão. Continua nessa linha com belas canções como "Olhos nos Olhos" e "Teresinha", gravadas por Maria Bethânia, "Atrás da Porta", interpretada por Elis Regina, e "Folhetim", com Gal Costa, "Iolanda" (versão adaptada de letra original de Pablo Milanés), num dueto com Simone, "Anos Dourados" – um clássico feito em parceria com Tom Jobim para a minissérie de mesmo nome e "O Meu Amor" para a peça "Ópera do Malandro" interpretada por Marieta Severo e Elba Ramalho sendo que, para essa última, fez também "Palavra de Mulher".

Desde muito jovem, Chico conquista reconhecimento de crítica e público tão logo os primeiros trabalhos são apresentados. Ao longo da carreira se torna parceiro como compositor e intérprete de vários dos maiores artistas da Música Popular Brasileira como Tom Jobim, Vinícius de Moraes, Toquinho, Milton Nascimento e Caetano Veloso. Os parceiros mais constantes são Francis Hime e Edu Lobo.

Edu Lobo e Chico Buarque

Como grande artista que é, não figura apena nas música. Na carreira literária ganhou 3 prêmios Jabuti: melhor romance em 1992 (Estorvo), além do Livro do Ano, tanto pelo livro "Budapeste" (2004) como por "Leite Derramado" (2010).

Tem ainda obras teatrais completas compostas, como "Roda Viva" (escrita no final de 1967 com estreia no Rio de Janeiro no início de 1968, direção de José Celso Martinez Corrêa, com Marieta Severo, Heleno Pests e Antônio Pedro nos papéis principais); "Calabar" (escrita no final de 1973, em parceria com o cineasta Ruy Guerra e dirigida por Fernando Peixoto); "Gota D'água" (escrita com Paulo Pontes a partir de um projeto de Oduvaldo Viana Filho, tragédia urbana em forma de poema com mais de quatro mil versos); "Ópera do Malandro" (texto baseado na 'Ópera dos mendigos' (1728), de John Gay, e na 'Ópera de três vinténs' (1928), de Bertolt Brecht e Kurt Weill. O trabalho partiu de uma análise dessas duas peças conduzida por Luís Antônio Martinez Corrêa e que contou com a colaboração de Maurício Sette, Marieta Severo, Rita Murtinho e Carlos Gregório) e "O Grande Circo Místico" (inspirado no poema do modernista Jorge de Lima, Chico e Edu Lobo compuseram juntos a canção homônima para este espetáculo, que estreou em 17 de março de 1983).

Com 53 discos lançados, 7 livros, 4 filmes (como ator e co-autor), 6 dvds, entre outros, Chico Buarque hoje é considerado grande ícone e referência da música popular brasileira. Um nome que tem um legado marcado na historia brasileira de forma irretocável.

Veja agora as datas da nova turnê de Chico Buarque:

Belo Horizonte:
Palácio das Artes / De 5 a 8 de novembro
Porto Alegre:
Teatro do Sesi / Dias 28 e 29 de novembro
Curitiba:
Teatro Guaíra / De 15 a 18 de dezembro
Rio de Janeiro:
Vivo Rio / De 5 a 29 de janeiro
São Paulo:
HSBC Brasil / De 1 a 25 de março

Baixe aqui algumas das músicas citadas nesse

post e mais algumas de Chico Buarque que eu

selecionei especialmente pra vc!

Conhecendo Artistas | Fayga Ostrower

2011-10-14T16:28:00.001-03:00

Pegando carona no lançamento da Folha em sua coleção Cadernos de Desenho, vou apresentar hoje uma das grandes artistas da arte contemporânea. Ela é polonesa, mas morou no Brasil desde seus 13 anos e desde então se enredou pelos caminhos das artes de maneira intensa e muito satisfatória.
Espero que gostem!
Bjs
Cintia
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Fayga Ostrower é artista homenageada em número da Coleção Cadernos de Desenho
Em: 09/10/2011
Folha / Ilustríssima

Morta há dez anos, Fayga Ostrower (1920-2001) ganha edição na Coleção Cadernos de Desenho, com organização de Lygia Eluf e textos de Carlos Martins e Noni Ostrower, filha da artista polonesa.

Fugindo do nazismo, sua família chegou ao Rio quando Fayga tinha 13 anos. Estudou artes gráficas na FGV e, mais tarde, lecionou em instituições brasileiras e estrangeiras.

O livro (Editora Unicamp/Imesp, 192 págs., R$ 50) reproduz esboços e anotações feitos a partir de 1954, lamentavelmente, sem informações mais detalhadas.

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6534, exata 1965 - Xilogravura sobre papel

Fayga Perla Ostrower foi gravadora, pintora, desenhista, ilustradora, ceramista, escritora, teórica da arte, professora e grande ícone das artes visuais.

Vem para o Brasil em 1934. Cursa artes gráficas na Fundação Getúlio Vargas - FGV, em 1947, onde estuda xilogravura com Axl Leskoschek e gravura em metal com Carlos Oswald. Sua produção inicial em xilogravura apresenta temática predominantemente social.

No início dos anos 1950 passa a produzir obras abstratas. Entre 1954 e 1970, leciona no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ. Em 1955, viaja para Nova York como bolsista da Fulbright Comission. Trabalha no Brooklyn Museum Art School e estuda gravura no Atelier 17, de Stanley William Hayter.

Sem Título - xilogravura, 1967.

"Terra" - metal com papel, 1993.

"Transições" - aquarela sobre papel, 1994.

Em 1969, a Biblioteca Nacional do Rio de Janeiro publica um álbum de gravuras realizadas entre 1954 e 1966. A partir da década de 1970, dedica-se também à aquarela. Publica vários livros sobre questões de arte e criação artística, entre eles "Criatividade e Processos de Criação", 1978, "Universos da Arte" (um de meus livros favoritos sobre o tema), 1983, "Acasos e Criação Artística", 1990, e "A Sensibilidade do Intelecto", 1998.

Em 1983, é realizada retrospectiva dos 40 anos de sua obra gráfica, no Museu Nacional de Belas Artes - MNBA e, em 1995, a exposição "Gravuras 1950-1995", no Centro Cultural Banco do Brasil - CCBB, no Rio de Janeiro.

Em 1999, recebe o Grande Prêmio de Artes Plásticas do Ministério da Cultura e participa, com o texto "Arte sobre Papel: da gravura chinesa às imagens de computador", da publicação "A Cultura do Papel", pela Casa da Palavra e Fundação Eva Klabin, em São Paulo.

No ano seguinte, é lançado o vídeo "Gravura e Gravadores", documentário dirigido por Olívio Tavares de Araújo, com depoimentos da artista e outros gravadores, produzido pelo Instituto Itaú Cultural. Em 2001 é lançado pela GMT Editora o livro "Fayga Ostrower", organizado por Carlos Martins.

Em 2002, é fundado o Instituto Fayga Ostrower (IFO) para criar, instalar e manter um museu destinado à exposição pública permanente da obra da artista, reunindo e conservando o acervo de obras de arte deixado, além de documentos, escritos, fotografias, filmes e objetos pertencentes à artista, com a finalidade de recuperar sua memória viva.

Fontes:
- Itaú Cultural
- IFO - Inst. Fayga Ostrower

Rock in Rio

2011-09-30T10:00:00.000-03:00

Essa edição do festival mais comentado de todos os tempos está dando o que falar. Desde a venda relâmpago de ingressos até a escala das atrações para os dias de rock. Rock? Bem... essa é a questão mais discutida.
Sou roqueira, não suporto axé, pagode, muito menos sertanejo. Meu pai e meus tios tinham uma banda na época da Jovem Guarda e cresci ouvindo esse som e tb com Beatles, Raul Seixas, Pink Floyd por aí vai. É uma evolução natural não querer axé no meu player, não é? Não fui acostumada com esse tipo de música. E meus primos tb seguem o mesmo caminho.
Nesse final de semana, nos reunimos para um almoço de domingo e começamos a comentar como seria o show do Metallica (que eu AMO e foi mesmo sen-sa-cio-nal) e as demais atrações do dia mais metal do festival. Aí, um dos meus primos, o mais afetado musicalmente posso dizer assim, começou a me metralhar perguntando se eu tinha conseguido assistir "a palhaçada do pop in rio". Bem, eu respirei fundo e disse que um festival desse tamanho não conseguiria sobreviver com toda aquela estrutura se não fosse o pop. Infelizmente!
Eu não gosto da Rhyanna nem da Katy Perry, mas assisti aos shows e adorei. Elton John tb arrasou com um piano impecável. Nisso, meu primo riu e insistiu que isso não é Rock in Rio! E eu emendei: "amore, se fossem apenas atrações de rock e heavy metal em todos os 7 dias, o público não seria nem de 50mil por dia! O primeiro dia trouxe 100 mil pessoas, vc tem noção desse número?! Vc tem noção da grana que rola pra isso acontecer?"
Realmente se não fosse o pop que muita gente (inclusive eu!!) torce o nariz, um evento desse porte e que cresce mais a cada edição não se realizaria.
Ontem o Tico Santa Cruz, vocalista da banda Detonautas, lançou em seu blog um texto falando a mesma coisa que eu tentava explicar para o meu primo, de uma forma bastante coerente e plausível.
Divido com vcs agora!
Bjs
Cintia
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Rock in Rio - eu vou criticar

Para começar , não faço media com ninguém. Nunca precisei fazer e se tivesse feito, talvez não enfrentasse tantos obstáculos para manter o que consegui na raça. Então, me dê licença que também quero falar.

Desde que começaram os primeiros boatos de que o Rock in Rio voltaria para o Brasil, antes mesmo de sonhar em tocar no evento, já comemorei! Estive em duas edições do Festival e tive o privilégio de assistir a shows memoráveis.

Quem mora no Rio de janeiro e gosta de Rock, sabe o quanto é complicado ter acesso a boas apresentações de artistas internacionais na cidade. O Rio, há tempos, saiu do circuito principal do segmento, tornando-se uma cidade que se dedica a exaltar em geral, apenas o que está em evidência.

Quem conhece a história do Rock in Rio, sabe que esta celebração nunca foi EXCLUSIVAMENTE dedicada ao Rock'n'Roll. Em 1985, variados artistas participaram, desde Morais Moreira e Pepeu Gomes até Ivan Lins e James Taylor.

Em 91 mais uma vez, uma penca de artistas POP e de ritmos regionais tiveram o privilégio de desfrutar de grandes públicos no Maracanã. Aha, New Kids on The Block, George Michael, além dos Brasileiros Alceu Valença, Elba Ramalho, entre outros que não estão contextualizados no que se considera Rock n’Roll. O mesmo se repetiu na edição de 2001 e naturalmente no elenco do atual.

POR QUE?

Simples, minha gente.

Um festival desse tamanho no BRASIL, não é bancado apenas por atrações de Rock. Embora tenhamos muitos fãs fieis ao estilo, a grande maioria dos brasileiros não tem qualquer apego a utopia e a filosofia Rock que muitos de nós temos. Quem praticamente banca a vinda de artistas de rock consagrados no exterior com cachês milionários é o público que consome o Pop.

HEIN????????? Não entendi, Tico Santa Cruz.

O que quero dizer é que um festival da grandiosidade do Rock in Rio, não consegue reunir em 7 dias dedicados exclusivamente ao Rock, público suficiente para arcar com todos os custos do evento. Já viram a estrutura? Já pararam para pensar em quanto custa para levantar tudo aquilo, para trazer equipes, pagar os equipamentos, cachê dos artistas e tudo mais que esta relacionado a uma produção deste tamanho?

Estamos falando de investimentos milionários. Alguém vai entrar nessa para se arriscar a perder?

Há tempos que o Rock in Rio se tornou uma marca. É um dos mais importantes festivais do mundo e vai agregando valores a cada edição. Quem desdenha do fato de não haver só Roqueiros no Casting, ou é ingênuo ou é burro.

Se em países que tem o Rock como musica popular originalmente já não existe mais essa exclusividade, quem dirá no Brasil do Sertanejo Universitário, dos Axés, Pagodes e Sambas. Estes sim, ritmos tradicionais do nosso território. Sendo assim, é preciso que se pense no Festival de forma equilibrada, tanto artisticamente como financeiramente.

Artisticamente, o Festival privilegiou como sempre fez, pelo menos 3 dias inteiros exclusivamente dedicados ao Rock. Tivemos Metallica, Motorhead, RHCP. Teremos ainda, Guns n’Roses, System of a Down entre outros nomes importantes. Se não conseguiram trazer ainda mais artistas que gostaríamos de assistir, foi por conta das agendas e das logísticas que bandas grandes detém. Nem sempre é Possível conciliar.

Quem banca praticamente estes 3 dias de Rock, é o público que gosta de POP. Pois são eles que acabam por esgotar rapidamente os primeiros ingressos, dos dias mais populares. Artista GRINGO nem aparece no Brasil se não estiver com o dinheiro em sua conta bancária.

Particularmente, não achei ruim os shows que vi pela TV nos dias de Pop. Não conhecia praticamente nada e adorei a Katy Perry, por exemplo. Achei que mesmo deslocado, Elton John fez um baita show e sofreu apenas com a falta de educação dos mais jovens que estavam sedentos pela Rihanna. Então, entra a polêmica do AXÉ.

Por que Axé no Rock in Rio? E todo esse blá blá blá, com relação a apresentação de Cláudia Leitte, que fez um desabafo no seu Blog e gerou ainda mais polêmica.

É simples, atualmente o que a MASSA escuta é Cláudia Leitte, Ivete Sangalo, Luan Santana, Restart, Nxzero, e grupos que tem orientações voltadas para o público mais adolescente e com abordagens mais simples e acessíveis. É o que o Brasil consome, é o que lota micaretas, lota casas de shows e leva CONSUMIDORES aos lugares.

Não assisti o show da Cláudia Leitte, não gosto de axé, mas conheço a Claudia de Bastidores, assim como conheço a Ivete, e outros artistas de segmentos dos quais não suporto a música, mas isso não me faz crer que pelo FATOR COMERCIAL, eles não sejam importantes para os organizadores. São as estrelas do MOMENTO e um festival se baseia também, pelo que está em ALTA ATUALMENTE. Tanto é, que o público não só não vaiou a Claudia Leitte, como ainda pulou na corda do Caranguejo e bebeu a água Mineral do Carlinhos Brown que foi enxotado pelo público Brasileiro em 2001 e é um artista respeitadíssimo no exterior.

Também acho que o AXÉ, já tem espaço suficiente e não precisava estar no Rock in Rio, mas se está, podem acreditar que é exclusivamente por uma questão financeira e não pelo conceito. Se o público de massa gosta de axé, é o axé que eles vão querer assistir. O senso crítico musical da grande maioria é tão volúvel, que o objetivo maior é apenas se divertir e celebrar a oportunidade de participar de um evento que oferece centenas de outras atrações além da música.

Nós que gostamos de Rock é que vamos apenas pelo som. A maioria vai para entretenimento puro, beijar na boca, arrumar namorados e namoradas e sorrir, ficar bêbado e arrumar um monte de histórias legais para contar. Qual é o problema nisso?

Falo por mim mesmo, que é muito cômodo ficar pelas redes sociais malhando o evento e os artistas e brincar, como brinquei o tempo inteiro pelo twitter, do que buscar a história do Festival e o mecanismo que faz um gigante como esse conseguir andar.

Todos tem o direito da livre expressão, tanto os críticos, quanto os criticados, mas alimentar essa picuinha com esse discurso de que o Rock in Rio deveria se Chamar POP in Rio ou qualquer outra porcaria é desconhecer COMPLETAMENTE a história do FESTIVAL.

Jamais hei de comparar os artistas regionais de 85, com os da atualidades, pelo simples contexto GERAL, que envolve tal abordagem. O fato é que naquela época essas mesmas criticas foram feitas, e no fim lá estavam muitos que meteram o pau, se divertindo nas pistas do Evento.

Então, vamos ter um pouco mais de maturidade, se possível for, e incentivar que cada vez mais aconteçam eventos como esse. Porque é bom para todo mundo. É bom para a cidade que recebe, é bom para a economia, é bom para quem está trabalhando, para quem quer se divertir e para quem quer curtir os shows. Se o artista que está no palco não lhe agrada, você tem todo o direito de criticar e até de vaiar, mas tenha o bom senso de entender o porquê de certas escolhas. Numa hora dessas não é só o coração que determina quem estará em cima do palco. Existem muitas outras variáveis.

Dou graças a Deus do Rock in Rio ter voltado para cá. E no dia que fui, percebi que a produção esta IMPECÁVEL, digo isso por ser veterano dessa festa, tem 20 anos desde a primeira vez que tive a chance de pisar no solo do Festival.

Só fui no dia que me interessou, mesmo tendo passe livre para circular a vontade em qualquer outra data. E não estou aqui escrevendo isso só porque tive o PRIVILÉGIO de ser escalado para uma chance tão importante. Digo isso, porque gosto do Festival e porque torço para que outros aconteçam e possam tanto revelar novos artistas, como consagrar antigos e mais do que isso, proporcionar encontros inusitados propostos pelo Palco Sunset e divertir aqueles que estão lá sem compromisso ideológico.

Fico constrangido quando vejo artistas e colegas falando mal do festival pelo simples exercício de falar mal, porque DUVIDO que recusariam o convite caso tivessem recebido.

Sem hipocrisia alguma, vivemos num mundo capitalistas e a virtude desse festival é exatamente conseguir equilibrar na medida do Possível, atrações meramente comerciais com atrações de conceito. Por trás das cortinas, existe muito mais do que apenas a grade de atrações que vocês recebem.

Bom festival para todos. Espero fazer um bom show e depois vou me esbaldar com System e Guns. Dia do Rock.

Abs
Tico Sta Cruz

Malba 10 anos

2011-09-29T12:56:00.001-03:00

Já tive o prazer de visitar esse museu, em Buenos Aires, e posso dizer que vale muito a pena conhecer. O lugar é lindo, a arquitetura deslumbrante e as obras sempre são uma festa pros olhos e pros sentidos.
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Museu de Arte Latino-Americana de Buenos Aires comemora dez anos

Em comemoração à data, mostra reúne obras de peso. Entre as principais, está Abapuru, de Tarsila do Amaral, símbolo do movimento antropofágico.

28/09/2011

Por: Délis Ortiz, Buenos Aires.

Jornal Hoje

Fachada do Malba

Interior do Malba

Para celebrar os dez anos de existência, o Malba (Museu de Arte Latino-Americana de Buenos Aires) montou uma retrospectiva das últimas dez décadas de arte na região. Entre as 500 obras da mostra, estão telas de Diego Rivera, Frida Kahlo, Cândido Portinari e Tarsila do Amaral.

No princípio, o Malba era o acervo de um dono só, mas ele decidiu dividir seu tesouro com todo mundo. Com a ajuda de amigos do museu, doações e patrocínios, hoje o museu tem mais de 500 obras, o dobro de quando começou. Sem contar as exposições temporárias, como a do venezuelano Carlos Cruz-Diez, o artista que explora a cor, mas não usa tinta. Para ver sua obra é preciso fazer movimentos e, assim, descobrir as cores, como se fossem vivas, seguindo a dinâmica do tempo e do espaço. No verão tropical, por exemplo, faz muito calor e se cria o fenômeno da difração. Ao cair do sol, tudo fica vermelho, laranja, intenso.

Carlos Cruz-Diez

É a diversidade cultural de nossa América pintada, esculpida, desenhada, colada e fotografada. A retrospectiva montada começa pelos movimentos de modernismo e vanguarda, com obras do peso de Abapuru (abaixo), de Tarsila do Amaral, símbolo do movimento antropofágico.

Outra marca brasileira, Festa de São João, de Cândido Portinari, também está lá. E tem mais: o contexto político dos anos 30, com ditadura, em Manifestação; o autorretrato de Frida Khalo dando asas à imaginação dentro do surrealismo; obras de Diego Rivera e Di Cavalcanti.

"Festa de São João" - Portinari

"Duas mulheres" - Diego Rivera

Autorretrato de Frida Kahlo

Entre todas essas obras, o fundador do Malba, Eduardo Constantini, confessa que Abapuru é o estandarte do museu. Ele foi arrematado em um leilão em Nova York, nos anos 90, por mais de US$ 2 milhões. Empresários brasileiros já lhe ofereceram 15 vezes mais pela obra, mas o museu não pode vender. Para voltar à terrinha, só se abrirmos um Malba no Brasil: "A oferta que eu havia feito, e que faço ao Brasil, é por um Malba no Rio de Janeiro ou em São Paulo. Aí, levo Abapuru de volta ao Brasil!", promete.

Jesus Cristo Superstar

2011-09-26T10:00:00.000-03:00

Achei bem criativo e interessante o trabalho desse cara. O site dele é interessante, tem muitas imagens dos trabalhos e vc pode comprar as obras em vários formatos no próprio site.
A grande polêmica aconteceu quando ele publicou na internet uma pintura que mostra um homem de calça jeans, camiseta branca, flexionando o braço direito e uma tatuagem aparece em seu braço. Além de ter barba, cabelos longos e castanhos, o jovem é forte e masculino. Até aí nada demais, exceto pelo fato do jovem em questão ser chamado de Jesus.
De acordo com o próprio artista, de 58 anos de idade, o objetivo da obra artista foi o de usar suas pinturas para “refletir a vida e os ensinamentos de Jesus de Nazaré, no século 21”. E emendou "Essa foi a minha forma de dizer: ‘Parem de julgar as pessoas com base na parte externa do seu corpo'".
Usei algumas imagens do site de Stephen para ilustrar esse post.

Cintia
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Cristo jovem e forte é retratado por artista americano
Um pintor norte-americano, especializado em arte religiosa, faz representações inusitadas de Jesus Cristo.
Em: 22/09/11
Por: Band News

Estas são as obras de Stephen Sawyer, o autor das imagens curiosas do projeto "Art for God", ou "Arte de Deus". O objetivo dele é popularizar e aproximar os jovens de Jesus Cristo. Por isso, Ele é retratado forte, musculoso e altivo.
A figura é bem distante da versão mais frágil e angelical disseminada pelo mundo. Sawyer diz que buscou inspiração na própria Bíblia, pois alguém que conseguiu os feitos obtidos por Jesus não poderia ser fraco.
O artista lembra ainda que Jesus Cristo fazia trabalhos braçais, por isso deve ter tido a musculatura definida.

A polêmica "No Appoitmenst Necessary"

Stephen produzindo em seu atelier

Notas de um Percurso Gráfico: Clécio Penedo - 50 anos de arte

2011-09-20T16:43:00.000-03:00

Mais uma ótima oportunidade para ver de perto as obras desse grande mestre das artes plásticas, Clécio Penedo. A exposição vai acontecer no MUSEU HISTÓRICO NACIONAL, com abertura no dia 05 de outubro, às 19h. Dica fresquinha do meu amigo Leandro Torturella. Vale a pena uma visita!

Cíntia
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Notas de um Percurso Gráfico é uma exposição que contempla 50 anos de produção gráfica e plástica do artista visual Clécio Penedo. Nascido em 14 de dezembro de 1936, na cidade de Bom Jardim, em Minas Gerais, Clécio Penedo inicia seus estudos artísticos na Escola Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro, no ano de 1954, deixando-a em 1956. Como herança destes dois anos, Clécio Penedo dedica-se à pintura a óleo e, pelos dezessete anos seguintes, desenvolve grande acuidade técnica e uma pintura mimética; mas, é no ano de 1973 que Clécio inicia sua formação artística fundamental, ao ingressar no Centro de Pesquisa e Arte, no Rio de Janeiro, estudando com Ivan Serpa e Bruno Tauz.

Durante seus dois anos de estudos com o grupo, Clécio desenvolve uma pesquisa imagética interpenetrada por figuração e abstração que, em Notas de um Percurso Gráfico, evidencia-se nas séries "Geróticos", "Inominados" e "Corpo sem Cabeça".

Após sua saída do Centro de Pesquisa e Arte, ingressa nos cursos de calcogravura e desenho, do Museu de Arte Moderna, também no Rio de Janeiro, com Aluízio Carvão e Eduardo Sued. Ao longo de sua juventude, Clécio Penedo vive um conturbado período histórico brasileiro, o que, mais tarde, subsidiará a constante presença, em sua obra, de temáticas sociais e culturais que discutem o indivíduo como um corpo indissociável do seu espaço existencial e histórico.

Nesta exposição, é evidente a preocupação de Clécio Penedo com a construção da identidade social e política brasileira, pois o artista conjuga, de forma excepcional, a essência do Manifesto Antropófago, com a ironia e contundência da Pop Art, em uma crítica direta à colonização européia e, mais tarde, à total abertura nacional à americanização, vistas nas séries "És Tupi do Brasil", "Cartilhada", "Comei-vos Uns aos Outros" e "Jary". Nas séries "Marcas de um Março Marcial", "Os anos 60" e "Re-tratos", percebemos a insatisfação e afronta, do artista, para com a política nacional e a ditadura.

Para além de uma exposição comemorativa, ou mesmo retrospectiva, Notas de um Percurso Gráfico, apresenta ao público visitante uma complexa articulação entre o processo criativo e a imagem “pronta”, assim, além de desenhos, gravuras, colagens, plotagens e pinturas referentes à produção de Clécio Penedo, o público terá acesso a estudos, a rascunhos, a croquis e anotações que precedem a “finalização” de uma imagem, desmistificando a “aura divina” do fazer artístico e revelando o laboro intelectual, teórico, prático e metódico existente por toda a obra de Clécio Penedo, desde seus primeiros trabalhos até sua última série produzida, "Corpo sem Cabeça", em 2002, antes de seu falecimento em 17 de janeiro de 2004.
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Edson Borges
(Graduado em Educação Artística com Habilitação em Artes Plásticas pelas Faculdades Integradas Teresa D’Ávila (Lorena-SP), Pós-Graduado em Teorias e Práticas em Arte Contemporânea pela mesma instituição, Mestre em Ciência da Arte pela UFF. Artista Visual com produção em desenho e gravura, professor de Artes Visuais do IFG – campus Formosa, tem exposições coletivas e individuais. Organizou e curou diversas exposições e, em novembro de 2009, foi contemplado pelo projeto Vida Longa ao Vila Longuinhos, em Recife-PE. É curador responsável pelo acervo do Instituto Cultural Clécio Penedo e vem, desde 2009, organizando, e curando as exposições do ICCP e Clécio Penedo.)

Convite da exposição

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“Percurso Gráfico – 70 Anos de Clécio Penedo”
Onde: Museu Histórico Nacional | Praça Marechal Âncora, s/n, Rio de Janeiro - RJ
Quando: de 06 de outubro 27 de novembro de 2011
Horário: Terça a Sexta das 10h às 17h30h; Sáb, Dom e feriados das 14h às 18h.
Quanto: Seg a Sáb R$ 6,00. Aos domingos, entrada franca.
Contato: (21) 2550.9220 / 2550.9224

Os Doodles do Google

2011-09-03T05:00:00.000-03:00

Eu particularmente adoro, e vc?

Um Doodle é um tipo de esboço de algum desenho realizado quando uma pessoa está distraída ou ocupada. Doodles são desenhos simples que podem ter significado concreto de representação ou simplesmente representar formas abstratas. Muitos exemplos podem ser encontrados em cadernos escolares, muitas vezes à margem, desenhados por alunos distraídos ou desinteressados durante uma aula.

Assim, o Google começou a brincar com o logotipo de sua página inical, fazendo doodles relacionados a a algum tema. Ao longo do tempo, os doodles, que são oferecidos para usuários do mundo inteiro, foram deixando a pesquisa mais divertida.

Quando os doodles foram criados, ninguém esperava que eles se tornariam tão populares ou tão abrangentes para a experiência de pesquisa com o Google. Hoje em dia, muitas pessoas aguardam ansiosamente o lançamento de cada novo doodle e alguns até os colecionam!

Em 1999, o conceito de doodle se originou quando Larry e Sergey, os fundadores do Google, brincaram com o logotipo corporativo para marcar a sua presença no festival Burning Man, no deserto de Nevada. Um desenho simples de uma pessoa foi colocado atrás da segunda letra “o” da palavra Google (acima). O logotipo modificado era uma forma bem-humorada de dizer aos usuários que os fundadores haviam “saído do escritório”. Ainda que o primeiro doodle tenha sido bastante simples, a ideia de decorar o logotipo da empresa para celebrar eventos importantes foi muito bem recebida por nossos usuários.

Um ano depois, em 2000, Larry e Sergey pediram ao atual webmaster, Dennis Hwang, que era um estagiário na época, para criar um doodle para o Dia da Queda da Bastilha. Felizes com o resultado, os fundadores nomearam Dennis doodler-chefe do Google. Assim, os doodles se tornaram um acontecimento regular na página inicial do Google. No início, os doodles celebravam os feriados mais conhecidos. Hoje em dia, os doodles marcam uma grande variedade de eventos e aniversários, das Olimpíadas à chegada da sonda Rover em Marte.

Com o passar do tempo, a demanda pelos doodles cresceu nos Estados Unidos e no resto do mundo. A criação dos doodles agora é responsabilidade de uma equipe de designers talentosos. Para esta equipe, criar os doodles se tornou um trabalho que, além de dar mais graça à página inicial do Google, alegra o dia de milhões de usuários do Google no mundo inteiro.

Selecionei aqui alguns doodles de artes visuais pra gente recordar e pra quem ainda não viu, poder curtir!

Saint Exupéry

Michelangelo

Leonardo da Vinci

Pablo Picasso

Cézanne

Frida Kahlo

Brancusi

Van Gogh

Tarsila do Amaral

Abaixo, selecionei um video com os melhores doodles produzidos até hoje.
Vale um play!

Fonte: Google - Doodle for Google e Fala Cultura

Fotos noturnas pintadas com luz

2011-08-31T14:41:00.001-03:00

Simplesmente lindo e sensacional!

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Exposição reúne fotos noturnas pintadas com luz

Veja abaixo galeria de fotos em que Renan Cepeda usa a técnica do light painting para fotografar castelos medievais na Espanha

Por: Luisa Girão para o iG / Último Segundo / Cultura

Em: 30/08/2011

A pergunta que o fotógrafo carioca Renan Cepeda mais escuta é como consegue fazer o efeito da luz, presente em suas fotos, sem usar programas de manipulação de imagem. A resposta é bem simples. Ou não. “Uso a técnica conhecida como light painting. Em ambientes completamente escuros, abro o obturador da lente da câmera. Em seguida entro na cena, vestido todo de preto, com uma lanterna e começo a pintar o que quero com o feixe de luz”, explica.

A partir desta terça-feira (30), o fotógrafo apresentará sua mais recente exposição “Knight Paintings”, na galeria Tempo, em Copacabana, Zona Sul do Rio. A série, que tem 22 fotos, foi produzida em abril desse ano em castelos medievais no altiplano de Castilla y Leon, região na Espanha. “Tenho uma noção do que quero fazer na foto, mas não uso máquina digital, só sei o resultado quando revelo os rolos de filme. Eu gosto dessa angústia de saber que o resultado foge do controle do fotógrafo”, afirma ele, que trabalha com uma Rolleiflex 6x6 cm dos anos 50.

Nesta mostra, o fotógrafo continua sua busca pela contramão do exótico. Seu estilo teve início com as séries realizadas pelo interior do Brasil, quando registrou casas abandonadas. Ele acredita que o fato de estarem desabitadas lhes dava vida própria. Em “Knight Paintings” o público poderá conferir tanto o efeito luminoso alcançado nas imagens de castelos fotografados à noite, com lanternas e canetas laser; como também algumas paisagens singulares desta região ibérica, fotografadas durante o dia. As fotos custam entre R$ 1.500,00 e R$ 9.500,00.

Em outubro, Renan planeja fazer uma nova incursão pelos castelos espanhóis. Só que desta vez ele vai explorar a região da Andaluzía. “Pelo interior da Espanha, existem mais de cinco mil castelos. Na maioria dos casos estão abandonados ou em ruínas”, diz Renan. Confira no link abaixo algumas fotos da mostra “Knight Paintings”

Clique aqui e veja galeria com mais imagens

O Mashup e a Arte

2011-08-19T13:11:00.000-03:00

"Divine Intervention" - Mash-up de "Police Quest: In Pursuit of the Death Angel" (1987)
e "A Última Ceia de Leonardo da Vinci"

A arte do mashup não precisa ficar confinada à música e ao vídeo. Tem muito copyright no mundo esperando para ser infringido. Como, por exemplo, essa engenhosa série de imagens que misturam obras de arte clássicas com vídeo games populares dos anos 80 e 90, tudo renderizado na estética 8 bits que todo mundo conhece e ama ( !!! ) e que pode ou não já estar enchendo o saco. Subvertendo a linha entre alta cultura e cultura pop, esses mashups criam cenários absurdos de “e se...” que mostram como seria um universo paralelo onde Indiana Jones acaba perdido no deserto de relógios derretidos do Salvador Dalí.

"How Appropriate. You Fight Like A Post-Impressionist." - Mash-up de "The Secret of Monkey Island "(1990)
e "O Terraço do Café na Place du Forum" (1888) de Vincent van Gogh.

As imagens desta postagem foram criadas pelo designer e ilustrador Aled Lewis para a exibição da expo SUPER iam8bit, aberta recentemente em Los Angeles e que apresenta mais de 100 artistas re-imaginando o mundos dos jogos de vídeo game dos anos 80.

"Just Another Sleazy Joint" - Mash-up de "Leisure Suit Larry Goes Looking for Love" (in Several Wrong Places)(1988) e de "Falcões da Noite" de Edward Hopper

O MASHUP, pra quem ainda não conhece, é um novo termo muito usado na internet que é um website ou uma aplicação web que usa conteúdo de mais de uma fonte para criar um novo serviço completo. O conteúdo usado em mashups é tipicamente código de terceiros através de uma interface pública ou de uma API. Outros métodos de codificação de conteúdo para mashups incluem Web feeds (exemplo: RSS ou Atom), Javascript e widgets que podem ser entendidas como mini aplicações web, disponíveis para serem incorporadas a outros sites.

"Indiana Jones and the Persistence of Memory" - Mash-up de "Indiana Jones
and the Last Crusade" (1989) e "A Persistência da Memória" de Salvador Dalí

Assim como os blogs revolucionaram a publicação online, os mashups estão revolucionando o desenvolvimento da web possibilitando a qualquer pessoa combinar dados de fontes como o eBay, Amazon.com, Google, Windows Live e Yahoo! de maneiras inovadoras e ~~nem sempre~~ criativas.

Fonte: The Creators Project

Videogame para o dia dos pais

2011-08-10T10:01:00.004-03:00

Essa é especial para quem gosta de games! Mas acho que os mais novos, que estão acostumados com os games com realidade virtual em alta definição, não vão curtir muito os jogos da época do Atari, com imagens totalmente pixelizadas. Mas eu adorava!!! Rsrsrs... Sou de 76, poxa.

Beijos
Cintia
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Exposição interativa com videogames para o Dia dos Pais
Da Redação do Catrata Livre
Em 03/08/11

Videogames que fizeram parte da infância de vários pais, como Atari ou Mega Drive, até aqueles de última geração, como Nintendo Wii e Playstation 3, estarão à disposição do público no Shopping VillaLobos, na exposição interativa “História dos Videogames”, que abre nesta quinta-feira, 4, na praça central do empreendimento em comemoração ao Dia dos Pais.

A exposição vai tornar possível para pais e filhos voltar no tempo e mostrar para as novas gerações como se jogava videogame nas décadas passadas. Entre os jogos disponíveis para o público, estarão os de corrida que foram hits na década de 80, até os mais modernos games.

Na mostra estarão disponíveis 16 videogames jogáveis ligados a sete TV’s de 50’ de plasma e quatro TV’s de 29’, que prometem fazer a diversão de jovens e adultos. Paralelamente aos jogos, a história dos videogames será contada em quadros que resgatam desde a primeira geração, nascida em 1951, quando o engenheiro de televisão Ralph Baer concebeu pela primeira vez a idéia de uma TV interativa – que deu origem ao primeiro jogo onde dois pontos perseguiam um ao outro na tela – até a sétima geração.

Tela do jogo "River Raid", um clássico da Atari.

A revolução: Sega lança o Mega Drive

Nintendo Wii 2 - a geração do futuro

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"História dos Video games"
Onde: Shopping Villa-Lobos | Av. das Nações Unidas, 4.777. Alto de Pinheiros - Oeste - São Paulo
Quando: 01 a 14 de agosto de 2011
Horário: Segunda a Sábados das 10h às 22h, Domingos das 14h às 20h.
Quanto: grátis
Contato: (11) 3024 – 3738

Expo 'O Papel das Vilas' | Fazenda da Posse, BM

2011-08-08T11:01:00.000-03:00

No próximo dia 11 de agosto o Centro de Cultura Fazenda da Posse, em Barra Mansa, inaugura a exposição "O Papel das Vilas".

A mostra coletiva reúne 54 artistas em sua sexta edição, utilizando em suas obras o Papel Botânico desenvolvido artesanalmente a partir de plantas da Serra da Mantiqueira, com texturas das fibras de Lírio, Agave, cascas de Pinhão entre outras. Tinturas vegetais de Macelinhas, cascas de Cebola e flocagens de flores e folhas fantasiam as folhas tornando-as únicas.

"O peixe, o caramujo e a rede" - Fernando Fleury

Esta coletiva de arte nasce da idéia de Maurício Rosa, em busca de valorizar o papel artesanal como material de expressão, engajado com questões ideológicas, sociais e ambientais de seu tempo. Visa à criação de um coletivo para que a região de Visconde de Mauá possa abrigar um espaço destinado às pesquisas do papel artesanal, favorecendo o intercâmbio de artistas e espaços voltados para a cultura.

Detalhe da obra de Carmem Gardon

O Papel Botânico é o meio de expressão nesta exposição, um sucesso pela inovação e diversidade de linguagens dos artistas reunidos por Márcia Patrocínio e Mauricio Rosa, passando pelo projeto 75 artistas e fotógrafos com a realização de mais de 100 obras neste período além dos trabalhos de ação educativa.

"Mutação" - Bie Hardiman

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"O Papel das Vilas"
Onde: Centro de Cultura Fazenda da Posse, Barra Mansa.
Quando: 11 de agosto, às 20h (abertura) e vai até 11 de setembro de 2011
Horário: de quarta a domingo, das 11h às 17h.
Quanto: grátis
Contato: (24) 3322 – 3855 / fazendadaposse@uol.com.br

Portinari!

2011-08-02T17:36:00.000-03:00

Excelente oportunidade para ver obras raras do mestre!
Em São Paulo num dos museus mais legais de lá, o MAM.

Beijos
Cintia
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Portinari no MAM
Até o dia 11 de julho, os paulistans poderão deliciar-se com a exposição No ateliê de Portinari (1920-45), no MAM. E os fãs devem esperar por mais: Guerra e Paz virá a São Paulo.
20/07/11
Por: Fala Cultura

Quando se fala em Portinari (já falei dele aqui no blog), logo se imagina uma grande exposição com a retrospectiva de sua obra. Não. Não é isso que propõe o MAM.

"Ronda Infantil"

A exposição "No Ateliê de Portinari (1920-45)" foi concebida como recorte de uma fase de sua carreira, especificamente seu período de formação, vivida entre o Rio e Paris. O fio condutor é a busca de uma linguagem própria, enquanto o artista perambula por uma multiplicidade de estilos e temas, ainda sem uma feição própria. Tal proposta permite ao público apreciar obras menos conhecidas do pintor, como "Ronda Infantil" (1932) e "Nu" (1930), sem abrir mão da presença de quadros aclamados, como "Criança morta" (1944).

"Criança Morta"

A curadoria é de Annateresa Fabris, que, de acordo com o filho de Portinari, João Cândido, é a “intelectual que melhor entende a obra do meu pai”. Ponto para o MAM.

Apesar de toda mostra deixar qualquer fã de Portinari de queixo caído, um dos destaques é a exposição das (raras) obras abstratas do pintor. Apesar de não acreditar na “arte que fugia do assunto”, Portinari aventurou-se pelo gênero e os resultados estão lá, na parede do MAM, para todos verem.

"Catequese" (1941)

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"No Ateliê de Portinari (1920-45)"
Duração: 14 de julho a 11 de setembro de 2011
Onde: MAM | Museu de Arte Moderna de São Paulo - Parque do Ibirapuera (av. Pedro Álvares Cabral, s/nº - Portão 3)
Quando: De terça a domingo, das 10h às 17h30 (com permanência até as 18h)
Quanto: R$ 5,50

O retorno do desejo proibido

2011-07-23T11:56:00.059-03:00

Louise Bourgeois (Paris, Dez/1911 - Nova Iorque, Maio/2010) foi uma artista plástica conhecida no Brasil por sua escultura "Maman", uma enorme aranha que permanece em exposição no MAM-SP, na marquise do Parque Ibirapuera.

Fortemente influenciada pelo surrealismo, pelo primitivismo e por escultores modernistas como Alberto Giacometti e Constantin Brancusi, seus trabalhos tendem a ser abstratos e altamente simbólicos, e estão presentes em vários espetáculos e coleções permanentes em museus ou galerias pelo mundo fora.

A arte de Louise Bourgeois não despreza a intensa referência ao sujeito. Retira a mulher da zona da sombra da história da arte. E esse sujeito da arte é uma mulher. Depois de Bourgeois, o universo da arte já não será de mulheres no mundo dos homens, nem têm de falar aí a linguagem dos homens, mas tornar presente seu próprio desejo. Moda e roupa são partes de um código identificado com o feminino.

Sem dúvida, um programa impredível! E pra mora no estado do Rio, vale a pena esperar, pois a exposição vem pra cá em seguida.

Beijos
Cintia

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Maior mostra de Louise Bourgeois chega ao Instituto Tomie Ohtake

Em: 20/07/11

Por: Camila Martins - Colherada Cultural

Traduzir em uma palavra a exposição de Louise Bourgeois, em cartaz no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, é impossível. A que chega mais perto, no entanto, é potência. Potência de vida, das inquietações do inconsciente e dos traumas mais aparentes transfigurados em arte. Com curadoria de Philip Larratt-Smith, a mostra intitulada “Louise Bourgeois: O Retorno do Desejo Proibido” é a maior já realizada no país, reunindo 112 obras, produzidas entre os anos 1942 e 2009, e fala sobre a relação do trabalho da artista com a psicanálise.

"Rejeição" (2001)

Nascida em Paris, em 1911, e passando grande parte de sua vida em Nova York, Bourgeois é uma das mais importantes artistas do século XX. A dimensão autobiográfica, as fissuras do corpo e da mente e as relações familiares são o fio condutor de sua investigação, como na obra “Maman”, uma aranha gigante que representa a sua mãe e está em exposição permanente no MAM do Parque do Ibirapuera.

Para quem conhece a obra, ou conseguiu imaginar, o tom opressor é o que ronda seus arquétipos femininos, as fórmulas fálicas discutem a presença e o fantasma do pai (o Édipo não resolvido?) e o corpo nu expandem-se para as séries de esculturas em fibra de vidro, tecido, látex, couro, borracha e bronze. Este último, material escolhido para a fortíssima “Arco da Histeria” (1993), um corpo sem cabeça, em que as mãos e os pés quase se juntam em uma torção agonizante.

“Arco da Histeria” (1993)

Em outra sala do Tomie Ohtake, o fôlego do expectador é novamente surpreendido com a instalação “Spider” (1997), em que outra aranha gigantesca fica suspensa sobre uma jaula que, entre outros objetos, abriga uma cadeira vazia:

"Spider"

Menos impactante em um primeiro olhar, mas de uma força imensa, são as séries em guache vermelho sobre papel, “A alimentação” (2008) e “Maman” (2009). Suportes novos na trajetória da artista, que tem as esculturas como sua principal forma de expressão. Tais pinturas mostram seios que amamentam, mas ao mesmo tempo sufocam e ameaçam.

"Alimentação"

"Maman"

Outra questão que essas séries trazem à baila é a vitalidade artística que acompanhou Bourgeois até o fim de sua vida (a artista faleceu em 2010, aos 98 anos), e o fato das inquietações sobre feminino e da maternidade permanecerem como algo em aberto.

“A arte é uma garantia de sanidade”, disse certa vez. Foi esta frase, e as muitas outras encontradas em escritos e correspondências datadas de 2004 a 2010, que revelaram a linha estreita de Bourgeois com a psicanálise e motivaram o curador Philip Larratt-Smith a escolher tal recorte para a exposição, que já passou pro Buenos Aires e depois segue para o Rio de Janeiro. Experiência catártica do fazer e do descobrir a obra de arte.

A exposição

Com 112 obras provenientes do Louise Bourgeois Studio, a exposição, com curadoria de Philip Larratt-Smith, apresenta um amplo panorama da obra de uma das mais ilustres artistas do século XX. Baseada na descoberta, após a sua morte em maio de 2010, de um arquivo, com mais de 1.000 anotações, entre escritos e correspondências, a exposição debruça-se sobre o legado psicanalítico de sua obra.

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“Louise Bourgeois: O Retorno do Desejo Proibido"
Onde: Instituto Tomie Ohtake - Av. Faria Lima, 201, Pinheiros - SP
Quando: 08 de julho a 28 de agosto de 2011
Horário: de segunda a domingo, das 10h às 18h.
Quanto: grátis
Contato: (24) 3323.0496 | estacaodasartes@bol.com.br
Grátis

Fotografia no início do séc. XX

2011-07-21T12:22:00.000-03:00

Eis o photoshop de antigamente!
As cores vivas tem um estilo vintage, bastante popular hj em dia. Mas a forma como ele consegue esse efeito, aí sim, é que é sensacional.
Bjs
Cintia
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Cores de Outro Século
Fotógrafo criava fotografias coloridas há cem anos, ainda na era do Império Russo
Fonte: Revista Trip - via: ObviousMag
Em: 14.07.2011
Por: Luiz Filipe Tavares
Fotos: Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii

Com um processo inventivo e muito característico, o fotógrafo Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii entrou para a história dando um salto à frente da tecnologia fotográfica da época. Entre 1907 e 1915, quinze anos antes da invenção definitiva do filme fotográfico, ele já era capaz de captar imagens coloridas para captar as diferentes nuances de cor de sua terra natal. A produção era trabalhosa, mas o resultado final era de encher os olhos, ainda mais no leste europeu nos primeiros momentos do século XX.

Apesar de trabalhoso, o processo de composição de imagem de Prokudin-Gorskii é bastante simples. Ele fotografava a mesma cena três vezes usando filme preto e branco. Para cada clique, ele trabalhava com um filtro de cada cor: verde, azul e vermelho. Depois, usando lâminas com lâmpadas coloridas da mesma cor de cada filtro, ele era capaz conseguir o efeito colorido tão sonhado pelos fotógrafos amadores e profissionais da época.

O grande problema do processo era a quantidade de erros gerados. Já que trabalha com três imagens de uma mesma cena, o fotógrafo não podia se dar ao luxo de permitir sequer um movimento da cena clicada. Qualquer movimento, por menor e mais imperceptível que fosse, causaria borrões nas cores. Alguns desses pequenos erros de composição podem ser vistos nesta postagem, junto (lógico!) com os melhores acertos do fotógrafo russo.

Poxa, se aquele carinha ali não tivesse se mexido, essa ficaria perfeita!

Na época das fotos, Sergei já não morava mais no interior da Rússia, tendo passado muitos anos em São Petesburgo estudando química. Aos 44 anos, ele retornou à sua região de Muron, onde realizou um documentário fotográfico sobre a vida na Rússia Imperial, pré-Revolução Bolchevique. É difícil precisar com certeza, mas todas as informações indicam que esse tenha sido o primeiro trabalho desse tipo a acontecer em território Russo.

Nessa postagem, vê alguns trabalhos selecionados de Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii e sua revolucionária técnica de fotografia colorida. Todas as fotos pertencem à Biblioteca do Congresso americano.

Aqui, percebe-se nitidamente o movimento da água atrás.

Ops! Ela mexeu o braço! Rsrsrsr!

FLIP 2011 - João Ubaldo Ribeiro

2011-07-18T12:35:00.000-03:00

O querido João Ubaldo Ribeiro era uma das estrelas desta Flip. E não decepcionou! Conduziu uma conversa tão a vontade e com tanta alegria que só faltou uma rede, da qual o autor contaria seus casos para uma plateia íntima. Durante uma hora o público sentiu o cheiro do mar de Itaparica e se deixou levar pelo gingado baiano de um dos maiores romancistas brasileiros. Veja um pedaço:

Leonardo da Vinci | Grandes Pintores

2011-07-15T10:03:00.003-03:00

Um quadro (acima) atribuído a Leonardo da Vinci, que se pensava estar perdido, foi descoberto numa coleção privada nos Estados Unidos e vai ser exibido em novembro numa exposição sobre o artista renascentista na National Gallery, em Londres.

A descoberta da autenticação da obra - com o título "Salvator Mundi" e que representa a figura de Cristo - foi noticiada esta semana nos jornais britânicos citando um comunicado do museu sobre a decisão de incluir a obra na exposição sobre o pintor renascentista. A obra teria sido mostrada ao diretor do museu, a curadores e especialistas antes de ser sujeita a um trabalho de restauro que ficou concluído no ano passado.

A exposição intitula-se "Leonardo da Vinci: Painter of the Court of Milan" e estará aberta entre 09 de novembro de 2011 e 09 de fevereiro de 2012, constituindo, segundo a entidade, uma oportunidade para ser comparada com outros trabalhos do artista.

Na mostra irão figurar, entre outras, as obras "La Belle Ferronière", proveniente do Museu do Louvre, em Paris, a "Madonna Litta", do Hermitage, em São Petersburgo, e "Saint Jerome", da Pinacoteca do Vaticano, em Roma.

Os especialistas consideram que a pintura apresenta nitidamente o estilo de execução de Leonardo da Vinci e não dos seus seguidores e alunos.

Leonardo da Vinci além de grande pintor do Renascimento, também exerceu outras atividades no meio artístico como cientista, matemático, engenheiro, inventor, anatomista, escultor, arquiteto, botânico, poeta e músico! Ufa! Muitas atribuições que só podem vir de um gênio, né? Além disso, da Vinci ainda ficou conhecido como o precursor da aviação e da balística. Frequentemente foi descrito como o arquétipo do homem do Renascimento, alguém cuja curiosidade insaciável era igualada apenas pela sua capacidade de invenção.

Além de todas essas façanhas, ele é considerado um dos maiores pintores de todos os tempos e como possivelmente a pessoa dotada de talentos mais diversos a ter vivido. Segundo a historiadora de arte Helen Gardner, a profundidade e o alcance dos interesses de Leonardo da Vinci não tiveram precedentes e sua mente e personalidade parecem sobre-humanos para nós, e o homem em si [nos parece] um tanto misterioso e distante.

Leonardo era, como é até hoje, muito conhecido principalmente como pintor. Duas de suas obras, a "Mona Lisa" e "A Última Ceia", estão entre as pinturas mais famosas do mundo, mais reproduzidas e mais parodiadas de todos os tempos, e sua fama se compara apenas à "Criação de Adão", de Michelângelo.

Mona Lisa (1503 - 1507 - Louvre)

O desenho do "Homem Vitruviano", feito por Leonardo, também é tido como um ícone cultural, e foi reproduzido por todas as partes, desde o euro até em camisetas. Cerca de quinze de suas pinturas sobreviveram até os dias de hoje; o número pequeno se deve às suas experiências constantes - e frequentemente desastrosas - com novas técnicas, além de sua procrastinação crônica ( ! ). Essas poucas obras, se juntam com seus cadernos de anotações - que contêm desenhos, diagramas científicos e seus pensamentos sobre a natureza da pintura - e que completam o acervo de da Vinci.

Estudo de um Cavalos (de um dos diários de Leonardo) - Castelo de Windsor

Leonardo é também reverenciado por sua engenhosidade tecnológica. Concebeu ideias muito à frente de seu tempo, como um protótipo de helicóptero, um tanque de guerra, o uso da energia solar, uma calculadora, o casco duplo nas embarcações e uma teoria rudimentar das placas tectônicas. Um número relativamente pequeno de seus projetos chegou a ser construído durante sua vida (muitos nem mesmo eram realizáveis), mas algumas de suas invenções menores, como uma bobina automática e um aparelho que testa a resistência à tração de um fio, entraram sem crédito algum para o mundo da indústria. Como cientista, foi responsável por grande avanço do conhecimento nos campos da anatomia, da engenharia civil, da óptica e da hidrodinâmica. Num estudo realizado em 1926 seu QI foi estimado em cerca de 180.

Enfim, Leonardo da Vinci é considerado por vários, o maior gênio da história, devido a sua multiplicidade de talentos para ciências e artes, sua engenhosidade e criatividade, além de suas obras polêmicas.

Leonardo pintou "A Última Ceia", um incrível trabalho, o mais sereno e distante do mundo temporal, durante anos caracterizado por conflitos armados, intrigas, preocupações e emergências. Ele a declarou como concluída, embora eternamente insatisfeito, e continuou trabalhando nela. Foi exposta a vista de todos e contemplada por muitos. Desde então ele foi considerado sem discussão como um dos primeiros mestres da Itália, senão o primeiro. Os artistas vinham de muito longe, para, no refeitório do convento de Santa Maria delle Grazie, analisar cuidadosamente a pintura, copiando-a e discutindo-a. O rei da França, ao chegar em Milão, acariciou a ideia impossível de remover o afresco da parede para levar para o seu país. Durante a sua realização inúmeras lendas foram tecidas em torno do mestre e seu trabalho.

"As mãos e os braços, em todas as suas ações,

devem exibir a intenção da mente que os move,

até quando for possível, porque, por meio deles,

quem tiver um bom julgamento mostrará intenções

mentais em todos os seus movimentos"

Leonardo da Vinci

Fonte:
- Foto e matéria sobre a obra descoberta: DN Artes

- Pesquisa sobre a vida de da Vinci: Wikipédia, Itaú Cultural, Museu do Louvre.

Fotos: Wikipédia

Links relacionados no blog: Leonardo da Vinci

Gibicon | Convenção Internaiconal de Quadrinhos

2011-07-13T12:49:00.003-03:00

Essa é especial pra quem curte quadrinhos!
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Curitiba é sede de encontro internacional de histórias em quadrinhos
Encontro internacional de histórias em quadrinhos acontece em Curitiba
Em: 12/07/11
Por: Redação Bem Paraná

Curitiba sedia de 15 a 17 de julho (sexta, sábado e domingo) a Gibicon n°0 – Convenção Internacional de Quadrinhos de Curitiba evento inédito no sul do país. Para estes três dias estão programadas palestras, oficinas, lançamentos de livros, sessões de autógrafos e exposições com a presença de artistas gráficos do Brasil, Argentina, Itália, França e Alemanha. Todas as atividades são gratuitas e acontecerão no Memorial da Curitiba, Solar do Barão, Sesc Paço da Liberdade, Instituto Goethe, Aliança Francesa, Instituto Cervantes e Joker’s Pub.

Entre os destaques da Gibicon nº0 estão os quadrinistas internacionais Fabio Civitelli, Hervé Bourhis, Lucio Filippucci e Salvador Sanz. Vinte dos principais autores brasileiros estarão presentes, entre eles Lourenço Mutarelli, Fábio Moon e Gabriel Bá. Há também espaço de destaque para Seto – o Samurai de Curitiba, e os quadrinhos curitibanos.

A Gibicon é uma prévia das comemorações dos 30 anos da Gibiteca de Curitiba, que acontecerá em 2012. “Os artistas presentes na edição zero da Gibicon farão uma amostra do que planejamos para o ano que vem. Agora será uma convenção curta que fará de Curitiba a capital mundial dos quadrinhos. Buscamos valorizar os artistas locais ao mesmo tempo que programamos trazer os internacionais, promovendo o intercâmbio profissional e intelectual”, disse o coordenador e curador artístico do evento, José Aguiar.

Nos últimos anos as histórias em quadrinhos têm mostrado cada vez mais sua força como arte e crescido em relevância. Ao reunir artistas de escolas, estilos e idiomas tão diferentes, a Gibicon irá movimentar a área com discussões, aproximar as histórias em quadrinhos do grande público, e fazer com que a cidade abrace de vez sua vocação como polo produtor e difusor dos quadrinhos brasileiros.

Segundo Fabrizio Andriani, que também é curador e coordenador da mostra, a Gibicon nasce para prestigiar os artistas locais, colocando-os no cenário nacional ao mesmo tempo que reúne quadrinistas de outros países. “O Brasil é cada vez mais reconhecido nos quadrinhos. Agencio artistas brasileiros para o mercado europeu e eles são muito valorizados. É um reflexo que há ótimo material humano aqui, mas o que precisa acontecer é que se publiquem mais quadrinhos autorais, que o Brasil volte a ter seus periódicos em quadrinhos como nos anos dourados. Acredito que isso irá em breve acontecer”.

A curadoria da Gibicon fez também parceria com o Festival Internacional de Quadrinhos de Roma - Romics. O diretor do Festival de Roma, Luca Raffaelli, estará em Curitiba para falar do mercado europeu de quadrinhos e, especificamente, dos quadrinhos italianos, junto com Tommaso D’Alessandro, que é agente de quadrinhos e estará olhando portfólios para revelar novos talentos.

Passado - Curitiba sempre teve grandes artistas ligados aos quadrinhos. Tradição que não é recente e que remonta a obra do cartunista Alceu Chichorro (1896-1977), passando pela geração que, entre as décadas de 1970 e 1980, fomentou os quadrinhos eróticos, de terror e ficção cientifica da editora Grafipar e também a criação da Gibiteca de Curitiba, a primeira da América Latina, em 1982. Espaço pioneiro que concentrou pelo menos três gerações de artistas desde a sua criação.

Para o coordenador editorial da Mauricio de Sousa Produções, Sidney Gusman o evento está sendo aguardado e será um marco para os HQ’s no Brasil: “A expectativa pela Gibicon é grande, não apenas pelo ótimo nível dos convidados e da programação, mas por recolocar, em grande estilo, Curitiba no mapa dos eventos de quadrinhos do Brasil. A cidade, que tem uma tradição enorme nesse mercado, merece”.

Gibiteca de Curitiba

O professor e pesquisador de história em quadrinhos, Paulo Ramos, disse que o encontro, de qualquer ordem, tem ao menos dois aspectos mais evidentes. “O primeiro é permitir um aprofundamento do tema abordado, por meio das vozes plurais presentes. O segundo é servir de ponto de encontro de pessoas com interesses afins, o que ajuda a viabilizar e estreitar contatos com gente de diferentes partes do país. A Gibicon agrega valores nesses dois sentidos e, possivelmente, num terceiro também: o de por Curitiba no circuito nacional de encontros sobre quadrinhos”.

O escritor, quadrinista e ilustrador carioca André Diniz lembra que Curitiba é um dos quatro principais polos de produção de quadrinhos no país ao lado de São Paulo, Rio de Janeiro e Belo Horizonte. “Eu mesmo tenho trabalhos em parceria com dois grandes artistas da cidade, que são o José Aguiar e o Antonio Eder. Um evento desse porte na cidade era o que faltava para marcar de vez a posição e a importância de Curitiba no cenário dos quadrinhos nacionais”, afirma.

Exposições - Além das exposições no Instituto Goethe e no Joker’s, o público poderá ver durante a Gibicon trabalhos de diversos artistas de quadrinhos, de diferentes épocas e estilos em outros quatro espaços. No Memorial de Curitiba estarão as exposições TEX e TEX Brasileiro, Quadrinhos Curitibanos e Dream2 (cartazes Animes. No Solar do Barão, Seto – o Samurai de Curitiba, Acervo da Gibiteca e Made for USA. Na Aliança Francesa, Eles Sonham o Mundo. E no Instituto Cervantes, estarão expostos os trabalhos do artista espanhol Ángel Idígora.

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A Gibicon é uma realização da Quadrinhofilia Produções Artísticas e Znort Editora, Prefeitura de Curitiba/Fundação Cultural de Curitiba, com patrocínio do Inter Americano, Instituto Goethe, Bonelli Editore, Mythos Editora, Instituto Itália e Joker’s. O evento tem o apoio da Aliança Francesa e Consulado Italiano.

Acesse aqui o site da Gibicon

Gifs animados com estilo

2011-07-08T09:47:00.000-03:00

A fotógrafa nova-iorquina Jamie Beck mudou totalmente o conceito de GIF's animados ao criar uma respeitada forma de arte, apresentando fotos extremamente impressionantes.

Para quem não sabe, os GIF's (Graphics Interchange Format) animados são famosos na internet. Entretanto, a grande maioria tem caráter humorístico e não guarda grandes preocupações com a qualidade das imagens. São aqueles bonqueinhos muito usados no programa de bate-papo instantâneo MSN Messenger e também muito usados nas redes sociais representando estados de humor e muitos tem formas de bichinhos, objetos etc.

Porém, o que Jamie faz é exatamente o contrário disso. Ela se baseia no formato do Gif (imagens sobrespostas com posições diferentes que se alternam, como num filme) e cria verdadeiras obras de arte. As imagens possuem incrível realismo e chama atenção pelos detalhes.

Batizadas como “cinemagraphs”, ela busca não esgotar as possibilidades de uma imagem. Esta realmente parece ser a chave para criar uma arte respeitável.

Delicie-se à vontade. Realmente da vontade de ficar olhando sem parar!

(Se as imagens não estiverem se movimentando, espere um minutinho para elas carregarem)

Por último, a minha favorita!!!!!

Caminhos Contemporâneos na FCSN | Volta Redonda

2011-07-06T15:05:00.000-03:00

O projeto Caminhos Contemporâneos desenvolvido pelo Centro de Cultura Estação das Artes e a Prefeitura de Barra Mansa através da Fundação de Cultura, será apresentado na Galeria de Artes da Fundação CSN, em Volta Redonda.

Os artistas Fernanda Líder, Flávia Velozo, Lúcia São Thiago, Marcelo Angu e Paulo Werdan, cada um em seu universo particular de criação teima em chamar atenção para o que passaria naturalmente despercebido no atropelo dos dias, na costumeira afobação contemporânea. A rua, a dor e a delícia de ser gente, as imagens midiáticas que nos assolam, a solidão e a possibilidade de estar junto, o imenso universo da delicadeza. São questões que emergem, de múltiplas formas, nas obras e nesses sujeitos artistas, que nos chamam a compartilhar e sermos mais felizes e crédulos na nossa capacidade de também ver, sentir, pensar, transformar.

A exposição começa dia 07 de julho e vai até o dia 06 de agosto. Aberto à visitação sempre de segunda a sexta, das 9h às 18h, e aos sábados das 9h às 12h. O Centro Cultural da Fundação CSN fica na rua 21, nº 402, Vila Santa Cecília, em Volta Redonda.

Louvre!

2011-07-03T10:07:00.051-03:00

Sou assinante da revista Viagem e Turismo que sempre traz matérias deliciosas sobre turismo e afins, dicas e roteiros sensacionais pra quem gosta de conhecer lugares e culturas diferentes.
Esse mês veio uma matéria ótima sobre ele, o sonho de consumo de quase todas as pessoas que, com eu, gostam de arte: o Museu do Louvre.
Copiei a matéria na íntegra pra vcs se deliciarem.
Beijos
Cintia
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Louvre, o maior dos museus.
Por: Paulo Nogueira | Fotos: Fagu
Publicado em 07/2011, no site da revista Viagem e Turismo

Você pode ir ao Louvre por diversas razões. Em seu livro Paris É uma Festa, Hemingway conta que foi com Fitzgerald ao museu nos anos 1920 para que o autor de O Grande Gatsby pudesse checar, diante das estátuas da Antiguidade, se suas medidas masculinas eram adequadas. Fitzgerald saiu tão confuso quanto entrou. Você também pode ir ao Louvre porque se sentirá culpado se, em Paris, decidir não prestar um tributo à arte. Nesse caso, mesmo sem entrar no museu mais visitado do mundo (8,4 milhões de ingressos em 2010), dá para tirar uma foto externa e mandá-la aos amigos. Um fotógrafo mediano fará com que você pareça segurar a pirâmide pelo topo.

Se parece fácil repetir a brincadeira dos turistas do lado de fora, dentro você poderá lembrar o personagem de Stendhal em A Cartuxa de Parma, que viu a batalha de Waterloo sem entender do que se tratava. Fui assim algumas vezes ao Louvre e encontrei brasileiros na mesma situação - um clássico, já que somos o segundo maior público estrangeiro do museu, atrás dos americanos.

Mas dessa vez finalmente decidi fazer uma visita planejada. Estudada. Livros, Google, experiências pessoais - juntei tudo, coloquei num liquidificador e extraí um suco lógico, que pode ser tomado antes de pegar a fila quase inevitável que vai dar na pirâmide invertida do subsolo. Compartilho essa visita aqui.

Foto: Google

Uma boa ida ao Louvre deve se amparar em história. O museu, como o conhecemos, é obra dos revolucionários que derrubaram a monarquia em 1789. Erguida a partir do século 13, a construção era inicialmente uma fortaleza. "Louvre", ninguém sabe ao certo a origem da palavra, derivaria de "Lou", que remete a Louis, o nome de 18 reis fanceses. Com o tempo, o palácio passou a ser utilizado pela realeza, sobretudo para festas. Depois da revolução, em 1793, os novos líderes decidiram que aquele era o lugar ideal para montar um museu - gratuito - que proporcionasse conhecimento ao povo. Já havia um número considerável de obras ali. A Mona Lisa, por exemplo, fora dada de presente no início do século 16 por Leonardo da Vinci ao rei Francisco, em cuja corte fora trabalhar. Foi, por isso, um ato de ignorância histórica e patriotismo tresloucado o perpetrado pelo italiano Vincenzo Peruggia, que em 1911 roubou a Mona Lisa e a levou à Itália.

Foto: Google

"Ladrão que rouba ladrão"
Peruggia era um fabricante de vidros e conhecia bem o museu. Certo dia, ele se escondeu dentro do prédio durante a visita dominical e permaneceu ali até a manhã da segunda-feira, dia em que o Louvre fechava naquele tempo (hoje é às terças). Então, tirou o quadro da parede do Salão Carré, colocou-o debaixo do sobretudo e o levou para a Itália. Tratava-se de uma repatriação, segundo ele. A Mona Lisa chegou a ser exibida em cidades italianas, mas logo as autoridades fancesas a tomaram de volta. Peruggia foi tratado como ladrão na França, mas virou herói nacional para os italianos. O roubo da obra-prima obrigou os responsáveis pelo Louvre a investir em segurança, deixando para trás os dias em que o visitante segurava o quadro na mão para apreciá-lo de perto.

Se o Louvre era proprietário de direito da Mona Lisa, vale dizer que muito do que está em suas galerias advém de pilhagem. Napoleão tinha um apreço especial por surrupiar obras de arte em suas campanhas militares. Um quadro ilustra bem sua admiração por esse universo: no próprio Louvre, orgulhoso, ele mostra a um grupo de pessoas o Apolo Belvedere, uma escultura grega que representou por séculos a beleza masculina. Napoleão pegou-a da coleção do Vaticano, depois de conquistar Roma e impor seu poder ao papa. Com a queda de Napoleão, Apolo e outras obras retornaram aos donos. Não todas. Os egípcios, por exemplo, jamais reouveram o que lhes foi tirado.

Foto: Google

Ninguém teve um papel tão marcante na história do Louvre quanto Napoleão. Por isso, é justo que você demore alguns minutos para vê-lo numa situação gloriosa, como em A Coroação de Bonaparte, de Jacques-Louis David, o grande pintor da corte napoleônica. David, um jacobino que se atirara à vida de revolucionário, escolheu um momento simbólico da cerimônia para registrar em sua obra. Nela, Napoleão está prestes a depositar a coroa em sua mulher, Josefina, um gesto que caberia ao papa Pio VII. Assim, ficava claro de quem era o poder na nova ordem, como prova a situação embaraçosa e a expressão contrariada do papa, captada espetacularmente por David.

De David, no Louvre, também é altamente recomendável ver um instante dramático na saga jacobina, A Morte de Marat. Um dos líderes revolucionários mais amados pelo povo, Marat foi assassinado por uma jovem que se dizia partidária de suas ideias. Ela o esfaqueou na banheira em que ele mitigava as dores terríveis que sentia por causa de uma doença na pele. O crime precipitaria uma onda de terror na qual a guilhotina trabalharia feneticamente.

Foto: Google

A etapa revolucionária pode ser enriquecida com a contemplação de A Maldição Paterna, de Jean-Baptiste Greuze. Ele foi o pintor favorito de Diderot, o intelectual iluminista que contribuiu como poucos para abrir caminho para a Revolução de 1789. Diderot admirava a arte de Greuze pelo seu conteúdo moral - moral no sentido de educar, construir um caráter. A Maldição Paterna mostra um filho desesperado no quarto em que seu pai agoniza sob as vistas da família. O filho contrariara o pai e por isso é reprovado enfaticamente. Greuze reproduziu com seu pincel um pensamento fundamental de Confúcio, o filósofo de 2 500 anos atrás que até hoje influencia fortemente os chineses: a obediência aos pais é vital na personalidade de homens e mulheres.

Nossas preferências também devem ser levadas em consideração numa visita ao Louvre. Para mim, A Morte de Sêneca, de Peter Paul Rubens, é obrigatória. Rubens homenageou a bravura de Sêneca, que cortou os pulsos por ordem de Nero, o imperador de quem fora preceptor. Autor de ensaios notáveis sobre a arte de viver e de morrer, Sêneca cuidou de Nero antes que este degenerasse. Depois, acusado de conspiração pelo antigo pupilo, foi obrigado a se matar. A exemplo de Sócrates ao tomar a cicuta, Sêneca, como mostra a tela de Rubens, consolou os discípulos em vez de ser consolado por eles.

"Mulheres Peladas"
"Artistas medíocres imitam", disse Picasso. "Grandes artistas roubam as ideias dos mestres." É instrutivo, a esse respeito, ver o Concerto Campestre, de Ticiano. Cercados de árvores e arbustos, dois homens estão absolutamente entretidos um com o outro, a despeito da nudez de duas mulheres que os acompanham. Esse quadro enigmático - o que estão fazendo as duas moças peladas num local público, e por que são alvo da brutal indiferença dos cavalheiros? - inspiraria séculos depois Edouard Manet num quadro que entraria para a história da pintura. Em Desjejum no Gramado, obra-prima do impressionismo, Manet retrata exatamente dois homens vestidos e duas mulheres nuas. Em comum, os homens das pinturas parecem não notar a deslumbrante presença feminina. Se você encontrar sentido nisso, me avise. O Desjejum está em outro museu de Paris, o D’Orsay, repleto de obras de impressionistas. O Louvre, numa decisão tomada há cerca de 40 anos, exibe obras apenas de artistas antigos. Não que o impressionismo - que floresceu na segunda metade do século 19 - seja novo. Mas não é antigo o bastante para estar representado ali.

Se grandes pintores como Ticiano e Manet se curvaram escancaradamente à nudez feminina, não há razão para que homens comuns se constranjam em admirá-la. Dois quadros são especialmente interessantes nesse quesito no Louvre. Um é O Banho Turco, de Jean-Auguste Domenique Ingres, em que mulheres jovens e lindas se esfegam umas nas outras. Contemplandoas, você vai lamentar o triunfo da estética anoréxica entre as mulheres. O segundo é de autor ignorado, da célebre Escola de Fontainebleau, cujo estilo foi inspirado no maneirismo italiano. O nome é Gabrielle d’Estrès e uma de Suas Irmãs. Favorita do rei Henrique IV, Gabrielle, ninguém nunca soube o porquê, aperta com a mão esquerda o mamilo direito da irmã.

Pelos meus cálculos, ver direito as obras citadas vai demandar umas duas horas. É o tempo justo. Mais que isso, bate um cansaço que pode levar você a odiar o que bem poderia venerar. São 35 mil obras em exposição, apenas 12% de todo o acervo. Melhor se encaminhar para a saída e dizer a esse grande museu não adieu, mas até breve.

Fotógrafos de natureza

2011-07-01T10:27:00.001-03:00

Esses fotógrafos e seus cliques maravilhosos!!!!
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Festival Internacional reúne fotógrafos de natureza na Alemanha
Evento vai divulgar vencedores de prêmios de fotografia promovidos pela Sociedade Alemã de Fotógrafos de Natureza
Por: BBC Brasil 28/06/2011

Fotógrafos e visitantes de todo o mundo se reunirão nos dias 29 e 30 de outubro em Lünen, na Alemanha, para o 19º Festival Internacional de Fotografia da Natureza.

Além de palestras e seminários, serão divulgados durante o evento os resultados de dois prêmios de fotografia promovidos pela Gesellschaft Deutscher Tierfotografen, a Sociedade Alemã de Fotógrafos de Natureza: GDT European Wildlife Photographer 2011 e o Fritz Pölking Award 2011.

Em um dos seminários programados para o evento, o biólogo marinho Alexander Mustard falará sobre o avanço das tecnologias nas fotografias subaquáticas. O fotógrafo finlandês especializado em pássaros, Markus Varesvuo, dará uma palestra sobre a arte de fotografar aves na neve.

"Fotografar aves é muito divertido. Seja pela aparente infinita variedade de cores e desenhos na plumagem, suas variadas técnicas de sobrevivência, sua incansável procura por alimento e capacidade de caça, seja pela maneira como elas criam filhotes na natureza e em meio aos homens ou pelo fatos de que elas voam - algo que os distingue da maioria das outras criaturas - não há falta de inspiração", diz Varesvuo.

O russo Sergey Gorshkov vai apresentar sua visão do Delta do Okavango, na África: "Cada dia na África traz algo novo. Nunca sabemos o que vai acontecer em um minuto. É impossível tirar só uma foto de uma paisagem porque ela muda o tempo todo, ela nova a cada dia. É impossível até haver imitação. E como cada fotógrafo vê o mundo de forma diferente, todos tiramos fotografias únicas", diz Gorshkov. Para o fotógrafo britânico David Maitland, que fará palestra sobre a essência da fotografia da natureza, as formas e a beleza desse tipo de imagens são melhor capturadas em close.

"É o aspecto efêmero e intocável da natureza que move minha fotografia", explica ele.
Já Sandra Bartocha apresentará no festival sua visão do Parque Nacional de Müritz, na Alemanha. Lagos tranquilos, florestas e pântanos serão mostrados em várias perspectivas.

O casal Verena Popp-Hackner e Georg Popp, que trabalha em conjunto e muitas vezes leva os filhos em suas viagens pelo mundo, se especializou em fotografias de paisagens.

"Enquanto nosso principal foco é registrar áreas incomuns, raramente fotografadas, quando viajamos para regiões exóticas, a fotografia em casa (Áustria) segue a ideia de cativar com novas composições de locais conhecidos revelando luz e atmosfera inesperadas."

Mostra de Artes Visuais Diálogos

2011-06-29T16:40:00.003-03:00

Esse mês o Centro de Cultura Estação das Artes, juntamente com a Prefeitura de Barra Mansa, através da Fundação de Cultura, convidam para a abertura da exposição "Mostra de Artes Visuais Diálogos" apresentando os artistas Allan Jr., Daniel Franco, Felipe Tonioni, Giane Carvalho, Henrique de Avelar, Jader Mattos, Marcia Aniceto, Marcelle Procópio, Rafael Alves de Moura e Renan Cesar Beloni.

A exposição tem curadoria do meu amigo Ayrton Jr. e a concepção é coletiva. A abertura será no dia 01 de julho às 20h com presença do Projeto música nas escolas. Um momento memorável que vale uma visita!

Rafael Alves

Ayrton Jr.

Jader Mattos

No ano de 2007 se organizava a primeira mostra de arte denominada Diálogos, na Galeria de Artes Fundação CSN. A mostra reuniu na ocasião os trabalhos dos próprios mediadores do espaço de exposição; Allan Junior, Rafael Alves de Moura e Renan César Vieira Beloni. A mostra nasceu, com a característica de apresentar as proposições de arte (pinturas, desenhos e instalações) que evocam a participação direta do público, promovendo um diálogo contínuo na Galeria de Artes.

A segunda edição se deu em 2009, reunindo trabalhos de dez artistas que apresentaram suas obras na buscam intensa de interlocução com o público. Esta exposição reuniu os participantes anteriores e novos artistas, com produção em diferentes linguagens (vídeo, gravura, pintura, instalação, objeto, em interface com o desenho). Reuniram-se aos três artistas da primeira edição, Geani Carvalho, Márcia Aniceto, Marcelle Procópio, Jader Mattos, Henrique de Avelar, Felipe Tonioni e Daniel Franco.

Ayrton Jr.

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"Mostra de Artes Visuais Diálogos"
Onde: Centro de Cultura Estação das Artes - Barra Mansa
Abertura: 01 de julho às 20h, com apresentação do Proj. Música nas Escolas
Quando: 01 de julho a 14 de agosto de 2011
Horário: de segunda a domingo, das 10h às 18h.
Quanto: grátis
Contato: (24) 3323.0496 | estacaodasartes@bol.com.br

Grandes Pintores | Cândido Portinari

2011-06-22T08:00:00.001-03:00

Hoje eu trouxe um grande artista brasileiro para ilustrar esse blog. Estou falando de Cândido Portinari, muito conhecido meu e de vcs também, certamente!

"Meu Primeiro Trabalho" - 1921

Cândido Portinari nasce em Brodósqui, SP, em 1903 e morre no Rio de Janeiro, 1962. Passa a infância numa fazenda de café do interior do Estado de São Paulo, cidade pequena com pouco mais do que uma parada para o trem carregar o café, e assim descrita pelo pintor: “...pequenininha, duzentas casas brancas de um andar, no alto de um morro espiando para todos os lugares... Lugar arenoso no meio da terra roxa cafeeira. Imenso céu azul circula o areal. Milhares de brancas nuvens viajam”.

"O Mestiço" - 1934

Observador, o menino Candinho impressiona-se com os pés dos lavradores das fazendas de café: “Pés disformes. Pés que podem contar uma história. Pés semelhantes aos mapas, com montes e vales, vincos como rios. Quantas vezes, nas festas e bailes, no terreiro, que era oitenta centímetros mais alto do que o chão, os pés ficavam expostos e era divertimento de muitos apagar a brasa do cigarro nas brechas dos calcanhares sem que a pessoa sentisse” – ele relembra num relato autobiográfico escrito poucos anos antes de sua morte.

"O Lavrador de Café" - 1934

Grande pintor, gravador, ilustrador e professor. Inicia-se na pintura em meados da década de 1910, auxiliando na decoração da Igreja Matriz de Brodósqui. Em 1918, muda-se para o Rio de Janeiro e, no ano seguinte, ingressa no Liceu de Artes e Ofícios e na Escola Nacional de Belas Artes - Enba, na qual cursa desenho figurativo com Lucílio de Albuquerque e pintura com Rodolfo Amoedo, Baptista da Costa e Rodolfo Chambelland.

Em 1929, viaja para a Europa com o prêmio de viagem ao exterior, e percorre vários países durante dois anos. Em 1935, recebe prêmio do Carnegie Institute de Pittsburgh pela pintura da obra "Café" (1935), tornando-se o primeiro modernista brasileiro premiado no exterior. No mesmo ano, é convidado a lecionar pintura mural e de cavalete no Instituto de Arte da Universidade do Distrito Federal, quando tem como alunos Burle Marx e Edith Behring, entre outros.

"Café" - 1935

Em 1936, realiza seu primeiro mural, que integra o Monumento Rodoviário da Estrada Rio-São Paulo. Em seguida, convidado pelo ministro Gustavo Capanema pinta vários painéis para o novo prédio do Ministério da Educação e Cultura - MEC (1936-1938), com temas dos ciclos econômicos do Brasil, propostos pelo ministro. Em 1940, após exposição itinerante pelos Estados Unidos, a Universidade de Chicago publica o primeiro livro a seu respeito, "Portinari: His Life and Art", com introdução de Rockwell Kent.

Em 1941, pinta os painéis para a Biblioteca do Congresso em Washington D.C. com temas da história do Brasil, descobrimento, desbravamento da mata, catequese e descoberta do ouro. Filiado ao Partido Comunista Brasileiro, PCB, candidata-se a deputado, em 1945, e a senador, em 1947, mas não se elege. Em 1946, recebe a Legião de Honra do governo francês. Em 1956, com a inauguração dos painéis "Guerra e Paz" na sede da ONU, em Nova York, recebe o prêmio Guggenheim.

"Retirantes" - 1936

Ilustra vários livros, como "Memórias Póstumas de Brás Cubas" e "O Alienista", de Machado de Assis, entre outros. Em 1958, inicia um livro de poemas - editado por José Olympio em 1964 -, com textos introdutórios de Antônio Callado e Manuel Bandeira.

Em 1979, seu filho João Candido Portinari implanta o Projeto Portinari que reúne um vasto acervo documental sobre a obra, a vida e a época do artista, no campus da Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro - PUC/RJ.

"Jangadas do Nordeste" (painel da Feira de Nova York), ca. - 1939

"Descobrimento" (mural da Biblioteca do Congresso em Washington) - 1941

Fonte: Itaú Cultural

Conhecendo Artistas | Ivald Granato FIlho

2011-06-20T08:30:00.001-03:00

Ivald Granato Filho nasce em 1949 na cidade de Campos (RJ) e atua como gravador, desenhista, pintor e artista multimídia. Sua carreira começa cedo, sob a influência do cubismo, originado em Paris e que tem como expoente o pintor Pablo Picasso. Conheci por acaso as obras desse grande talento nacional ao navegar nas páginas no site Itaú Cultural. Outra vez revi suas obras expostas no programa do Faustão (Telão do Domingão). E fazendo uma breve pesquisa na internet, reuni aqui algumas informações sobre a vida e a obra desse talento para ilustrar minha tag "Conhecendo Artistas".

No ano de 1966, Granato estuda pintura com Roberto Newman, fundador do Museu de Arte Moderna do Espírito Santo. No ano seguinte, entra para a Escola de Belas Artes da UFRJ. Mas, por motivos pessoais, abandona o curso e muda seu estilo de arte para algo mais político e rebelde, fato bem marcante em muitas de suas obras.

Na década de 70 e 80 apresentou diversas performances e intervenções recorrendo ao vídeo e à fotografia para documentá-las. Sua obra também é composta de telas e litografias e é autor de vários livros. Ainda em 1970, viaja pela América Latina para estudar cores.

Em São Paulo, para onde se muda em 1972, Ivald Granato expõe trabalhos de Mail Art em diversas galerias, entre elas, o Museu de Arte Brasileira e Art Nobile. No ano seguinte, ele abre sua própria galeria na mesma cidade. Por duas vezes (1979 e 1982) recebe da Associação Paulista de Críticos de Arte - APCA o prêmio melhor desenhista do ano.

No início da década de 1980, participa de eventos com a Banda Performática, do artista José Roberto Aguilar, que associa pintura, música, teatro e circo.
A arte de Granato não é conhecida apenas no Brasil. Seus quadros, gravuras e desenhos foram contemplados por admiradores na Alemanha (Galeria Maeder e Exposição Frankfurt, em 1984), Estados Unidos (International Gallery de New York, em 1988) e Japão (Kramer Galeria de arte , em 1992).

Uma de suas frases marcantes explicou a diferença entre design e arte:

“O design estuda e desenvolve

objetos com uma finalidade.

Mas a diferenciação entre design

e arte é difícil de ser determinada.

Os pintores talvez marquem bem

essa distinção”.

Ivald Granato atualmente vive e trabalha em São Paulo. Acesse aqui o blog do artista, atualizado por ele mesmo e não deixe de dar uma olhada no site dele também!

Fonte e imagens: Itaú Cultural

As Cores

2011-06-17T15:30:00.000-03:00

Uma coisa tão linda e simples que faz toda a diferença em nossa vida. Desde a roupa que a gente veste até o alimento que comemos, a cor é uma informação decisiva nas nossas escolhas diárias. Mas o que é a cor?
"A cor é uma percepção visual provocada pela ação de um feixe de fótons sobre células especializadas da retina, que transmitem através de informação pré-processada no nervo óptico, impressões para o sistema nervoso". Eita! Ou seja: aquilo que vc enxerga como vermelho, é vermelho porque ele emite essa sensação de luz para os seus olhos.

A cor é percebida através dos cones na nossa visão. Existem no olho cerca de seis milhões de cones e a ausência ou deficiência dos cones causa o daltonismo. A cor representa uma percepção para o cérebro e o estimula a diferenciar uma cor da outra. Assim, o cérebro aprende a corrigir a cor dos objetos, ou seja, se usar um óculos escuro, ao tirá-lo o cérebro mostrará tudo escuro por um tempo até que perceba que deve deixar a correção.

Uma pesquisa realizada por um laboratório de cores, mostrou que as pessoas julgam subconscientemente uma outra pessoa, um ambiente ou um objeto, pela cor. O emocional liga a cor a uma determinada situação. Veja:

- Vermelho: perigo, quente, excitante, sexo.

- Azul: masculino, frio, calmo, estável.

- Branco: puro, honesto, frio.

- Pastel: feminino, sensível, delicado.

- Laranja: emoção, positivo.

- Negro: morte, poder, autoridade, seriedade.

- Rosa: feminino, quente, ardente.

- Verde; natureza, conforto, esperança, dinheiro.

- Amarelo: sol, calor, calma, tranquilidade.

Há pessoas que possuem deficiências para perceber as cores, essas atingem mais homens que mulheres. O fato de o homem possuir um só cromossomo X faz com que o número de deficiência seja grande, já nas mulheres, por possuir dois cromossomos X, é necessário que os dois cromossomos estejam defeituosos para que sua visão seja afetada.

A colorimetria, ciência que estuda as cores, desenvolve métodos de quantificação da cor e estuda o tom, a saturação e a intensidade da cor. O tom é o que faz com que a cor seja identificada como azul, verde, amarela etc. A saturação mostra se a ela é natural ou pigmentada artificialmente. A intensidade caracteriza a força da cor.

Considerando as cores como luz, a cor branca resulta da sobreposição de todas as cores, enquanto o preto é a ausência de luz. Uma luz branca pode ser decomposta em todas as cores (o espectro) por meio de um prisma. Na natureza, esta decomposição origina um arco-íris.

Fonte: Brasil Escola e Wikipédia
Fotos: Google

Expo em Barra Mansa - Visão Coletiva

2011-06-07T10:00:00.001-03:00

Adoro divulgar boas exposições aqui da região Sul FLuminense, uma região rica em arte de uma maneira geral, seja música, fotografia, pintura, teatro, escultura etc.
Quem é daqui, prestigie!!!!
Bjs
Cintia
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Visão Coletiva em primeira exposição
A Galeria de Arte Clécio Penedo, do UBM, em Barra Mansa, abre hoje às 20 horas a I Exposição de Fotografias do grupo Visão Coletiva.
Fonte: Blog Giovana Damaceno
Fotos: Divulgação

Leonan Claro - "Paraty"

Oito novos fotógrafos mostram ao público sua sensibilidade em trabalhos variadíssimos e de tamanha qualidade que mereceram uma apresentação de um dos melhores profissionais da área na região, André Sodré. “É uma calmaria aos olhos um grupo de novos fotógrafos tão eclético na escolha dos temas, estética pessoal e compreensão do que é fotografar e ao mesmo tempo análogo em objetivos e na busca de um estilo”, avalia.

A exposição reúne fotos de Leonan Claro, Mariana Alves, Tatiana Santos, Vinícius Luiz, Jader Mattos, Dayana Oliveira, Jair de Assis, Bia Vilela, Leandro Torturella, Ingrid Alves, Louyse Gerardo, Tamer Brito, Victor Mauro, Nathany Marques, Fernanda Lider.

O grupo Visão Coletiva nasceu na rede social Flickr, em 2010, com uma pequena turma que compartilhava interesses comuns na área da fotografia. Atualmente são 76 pessoas que postam suas fotos e participam on line do grupo. “Estar com o Visão Coletiva é a realização de um sonho; há muito admirava de longe as atividades desta galera”, revela Jair de Assis.

A maioria dos participantes é de Volta Redonda e Barra Mansa, mas há também membros ativos de outras cidades, como Beatriz Villela, de Cruzeiro/SP, e o brasileiro que vive na Alemanha, João Xavi.

O grupo Visão Coletiva é aberto a todos os interessados em fotografia, tanto amadores como profissionais, como forma de linguagem e expressão. “Desde a infância queria aprender fotografia, mas não imaginava que ela faria parte da minha vida profissional, ao mesmo tempo em que se transforma numa atividade tão prazerosa. A fotografia me proporciona uma expressão artística extrema”, define Jader Mattos.

A exposição fica aberta de hoje até 1° de julho, de segunda a sexta, das 16 às 21 horas.

Veja abaixo alguns dos trabalhos do Visão Coletiva:

Vinicius Luiz

Bia Vilela

Dayana

Jader Mattos

Jair de Assis

Mariana Alves

Tatiana Santos

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"Visão Coletiva"
Onde: Galeria de Arte UBM - Clécio Penedo - Barra Mansa
Quando: 06/06 a 01/07, segunda à sexta de 16h às 21h.
Quanto: Entrada franca
Info: (24) 3325.0262 |cultural@ubm.br

Tela misteriosa pode ser de Picasso

2011-06-06T12:59:00.001-03:00

Eu adoro Picasso, ne?
Hehehe!
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Cientistas investigam possível quadro de Picasso
Pintura a oléo da década de 1930 pode retratar irmã do artista morta na infância
Por: EFE | 05/06/2011

Um grupo de pesquisadores de espectroscopia Raman da Universidade Politécnica da Catalunha (UPC) investiga o que poderia ser um novo óleo feito por Pablo Picasso quando jovem, um retrato da irmã caçula do pintor, obra de propriedade de uma família andaluza.
De acordo com o jornal espanhol "La Vanguardia", os primeiros dados da investigação indicam que a pintura, com o título provisório de "La Niña", poderia ser um retrato da irmã do artista, morta vítima de difteria em 1895.

A proprietária do quadro, uma família da província de Málaga (na Andaluzia, sul da Espanha), decidiu investigar se a obra é autêntica e encomendou um relatório a uma empresa encubada no UPC há dois anos.

Primeiramente, o quadro foi submetido à espectroscopia laser. O diagnóstico indicou que os pigmentos de azul e branco de titânio e outros achados haviam sido feitos nos anos 30.

Nessa época, era impossível que Picasso tivesse pintado a obra com esse estilo, mas a surpresa ocorreu ao submeter o quadro a uma refletometria de infravermelho. Foi possível constatar que debaixo da pintura havia outra, com importantes diferenças no rosto da menina retratada.

Os analistas sugeriram a restauração do quadro. A nova paleta de pigmentos encontrada não deixa dúvidas de que a obra data do fim do século 19 início do século 20 e coincidem com feitos por Picasso em suas primeiras pinturas.

Agora falta datar o quadro. Especialistas na obra do artista espanhol deverão confirmar a descoberta e a paternidade definitiva da obra.

Fonte: Ig Último Segundo
Dica: Giovana Damaceno

Ilustração é uma arte para poucos!

2011-05-18T15:58:00.000-03:00

Ilustração é um dom. Tem algumas que são tão impressionantes que chegam a dar falta de ar, como é o caso desse grande artista da ilustração Joe Fenton.

Fenton estudou escultura na Escola de Arte de Wimbledon e depois disso passou a trabalhar como concept designer e escultor para a indústria de filmes em empresas como a Disney e Miramax.

Solitude – 2010/2011

Feito somente com grafite e mais tarde com tinta acrílica.

Suas inspirações são os trabalhos surrealistas de Hieronymus Bosch e Breugal. Ilustradores infantis como Arthur Rackham e Anderson Wayne e também os incríveis trabalhos do MC Escher.

A maioria de seus desenhos são feitos com grafite e tinta acrílica e o nível de complexidade é muito grande e bonito. Quase todos os desenhos são totalmente em preto e branco e possuem muitos detalhes e elementos, além de contraste e jogo de sombra e luz extremamente magníficos.

Pride – 2010

Grafite e tinta acrílica sobre papel de aquarela – Arqueiros 150x 110 centímetros

“Tick Tock” – 2011

Feita com grafite, tinta acrílica, guache e aquarela sobre papel Arches, 90x90cm.

Fonte: Blog Choco La Design

Dica: Giovana Damaceno

Leilão de arte Impressionista e Moderna

2011-05-09T17:22:00.000-03:00

Picasso foi mesmo um gênio, não?!

Já falei um pouco sobre a vida desse grande ícone da arte mundial aqui.

Aliás, todos esses leiloados aí merecem tamanho sucesso!

Beijos

Cintia

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Sotheby's arrecada mais de US$ 50 milhões com 8 quadros de Picasso

Leilão ocorreu em Nova York. Obra mais cara representou amante e foi arrematada por US$ 21,3 milhões

04/05/2011

Da EFE

A casa de leilões Sotheby's arrecadou mais de US$ 50 milhões nesta terça-feira (3), em Nova York, com a venda de oito quadros do pintor espanhol Pablo Picasso (1881-1973).

A obra mais cara da jornada foi o quadro "Femmes lisant (Deux Personnages)", inspirado em Marie-Thérése Walter, amante e musa de Picasso, que saiu por US$ 21.362.500. O quadro, pintado em 1934, representa Marie-Thérése lendo um livro acompanhada de sua irmã.

No mesmo leilão, foram negociadas obras de diversos períodos artísticos do pintor espanhol, algumas das quais superaram as previsões dos responsáveis da Sotheby's, como o retrato surrealista "Femme" (1930), vendido por US$ 7.922.500, embora estivesse avaliado entre US$ 3 milhões e US$ 5 milhões.

O quadro, que a firma qualificou como "uma das mais destacadas imagens surrealistas de Picasso", é uma "aterrorizante" evocação da primeira esposa do artista, a dançarina Olga Khokhlova (1891-1954).

Outro retrato assinado por Picasso também cativou os compradores nesta terça-feira: "Fillette aux nattes et au chapeau vert" (1956) [acima], que representa Paloma, uma das filhas do artista, saiu por US$ 5.906.500.

Também de Picasso, "Couple á la guitare" (1970), que mostra dois amantes entrelaçados, foi arrematado por US$ 9.602.500, enquanto outras duas peças do artista espanhol que foram colocados à venda em Nova York, "Femme nue assise contre une draperie" (1922) e "Vue d'une fenetre" (1929), não encontraram compradores.

No leilão, foi arrematada por US$ 11.282.500 uma escultura em madeira do artista francês Paul Gauguin, "Jeunne Tahitienne" [acima].

Entre as obras de destacados autores surrealistas, foi vendido um retrato da empresária Helena Rubinstein (1870-1965) pintado pelo artista espanhol Salvador Dalí (1904-1989) por US$ 2.658.500.

Com este leilão dedicada à arte impressionista e moderna, a Sotheby's inaugurou a temporada de grandes leilões de primavera em Nova York, que seguirá nesta quarta-feira (4) com a venda organizada por sua concorrente Christie's.

Uma das principais obras do leilão será outro quadro de Picasso, "Les femmes d'Alger, version L" (1955), com o qual a casa espera arrecadar entre US$ 20 milhões e US$ 30 milhões.

Funcionária da Christie's em Nova York segura obra de Monet,
"Les Peupliers" (4/5/2011) - Foto: Luke MacGregor/Reuters

O impressionista Claude Monet (1840-1926) se destaca no leilão com duas obras: "Les peupliers" (1891) [acima], que parte com preço entre US$ 20 milhões e US$ 30 milhões, e "Iris mauves" (1914-17), avaliado entre US$ 15 milhões e US$ 20 milhões.

Fonte: G1 Pop e Arte

Expo. Fayga Ostrower em Barra Mansa

2011-04-26T17:28:00.000-03:00

O Centro de Cultura Fazenda da Posse, em Barra Mansa, mais uma vez inaugura uma superexposição!
Fayga Ostrower e o Circuito de Artes Visuais da Região Sul Fluminense começa no dia 06 de maio, às 20h com a presença do Projeto Música nas escolas. A exposição faz parte das comemorações dos 90 anos da artista e é realizada pelo Circuito de Artes Visuais da Região Sul Fluminense que integra: a Galeria de Artes da Fundação CSN em Volta Redonda, o Centro de Cultura Fazenda da Posse em Barra Mansa e o Museu de Arte Moderna de Resende.

Esse circuito tem como objetivo apresentar produções artísticas contemporâneas referenciais para as artes visuais e fomentar discussões acerca de conceitos enunciados através, principalmente, de exposições.

Nascida em Lodz, na Polônia, em 1920, Fayga Ostrower chegou ao Rio de Janeiro na década de 30 aos 13 anos de idade. Tornou-se gravadora, pintora, desenhista, ilustradora, teórica da arte e professora, realizou exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior. Recebeu numerosos e importantes prêmios, entre os quais o Grande Prêmio Nacional de Gravura da Bienal de São Paulo (1957), o Grande Prêmio Internacional da XXIX Bienal de Veneza (1958) e ainda o Grande Prêmio nas bienais de Florença, Buenos Aires, México, Venezuela, entre outros. Seus trabalhos se encontram nos principais museus brasileiros, da Europa e das Américas.

Fayga desenvolveu atividades docentes em diversas universidades por todo o Brasil e no exterior, mas também lecionou para operários e centros comunitários, visando a divulgação da arte. Escreveu vários livros, entre eles "Criatividade e processos de criação"; "Universos da arte"; "Acasos e criação artística"; "A Sensibilidade do intelecto" (Prêmio Jabuti, 1999); "Goya, artista revolucionário e humanista" e "A grandeza humana: cinco séculos, cinco gigantes da arte".
A biografia "Fayga Ostrower", organizada por Carlos Martins, foi lançada em 2002.

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"Fayga Ostrower"
Onde: Centrio de Cultura Fazenda da Posse, Barra Mansa.
Quando: 06 de maio de 2011 - 20h (abertura)
Horário: de quarta a domingo, das 11h às 17h.
Quanto: grátis
Contato: (24) 3322 – 3855 / fazendadaposse@uol.com.br

6 bilhões de Outros | MASP

2011-04-21T12:00:00.002-03:00

Adorei! Superindico pro feriadão!!!
Bjs
Cintia
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O objetivo da mostra "Seis Bilhões de Outros" é desvendar o sentido da vida, os sonhos, as angústias de anônimos. A exposição já passou pela Europa e Ásia e chega pela primeira vez à América. Os vídeos foram gravados durante cinco anos.

O fotógrafo francês Yann Arthus-Bertrand, de 65 anos, nasceu numa conhecida família de joalheiros parisienses, mas nunca se interessou por diamantes e esmeraldas. Seu tesouro está acima da terra. Bem acima, aliás. Conhecido por suas fotos aéreas, entre elas a de um manguezal em forma de coração na Nova Caledônia, arquipélago da Oceania, Arthus-Bertrand já esteve algumas vezes no Brasil e volta para inaugurar amanhã, no Masp, a exposição "6 Bilhões de Outros", seu mais ambicioso projeto até o momento. Recorde de público na França na temporada passada, a mostra é inédita no Brasil e só foi exibida na Europa e Ásia, onde foi vista por 3,5 milhões de pessoas.

Perguntado sobre qual o objetivo do trabalho, ele afirma: “Meu sonho é mudar o mundo, mas se não for possível, pelo menos melhorar um pouco”.

Lançado em 2003, o projeto reuniu até o momento 5 mil depoimentos captados em 75 diferentes países, alguns escolhidos para o DVD triplo que ele lançou na França e será exibido na mostra do Masp. São pessoas comuns, que respondem a questões simples sobre suas lembranças de criança, seus sonhos e projetos futuros. Arthus-Bertrand acredita tanto no poder mobilizador desses depoimentos que até fundou, em 2005, uma organização filantrópica dedicada à promoção do desenvolvimento sustentável.

“Toda pessoa fotografada nesta exposição conta alguma coisa. Somando tudo isso você tem uma grande história da narrativa da humanidade independentemente de cor, lugar de origem, credo, de profissão, de ideologia, esse que é a grande atração dessa exposição”, declara Texeira Coelho, curador do Masp.

Fonte: Jornal Hoje e Ig - Último Segundo

2011-04-20T12:12:00.001-03:00

Gente, recebi esse video hj cedo de um amigo e achei sensacional.
Realmente, as coisas tem mudado muito rápido e ao mesmo tempo que os mais novinhos desconhecem muitas coisas que pra gente (os com mais de 25 anos) era habitual, muitos de nós também acaba desconhecendo as tecnologias mais avançadas se não acompanhar as tendências.
Eu mesma que vivo antenada com tecnologia e internet, muitas vezes me deparo com um termo novo que me deixa meio "boiando".
Supersacada essa a do Itaú de mostrar isso em uma propaganda! Genial.
Assistam!!!

Via: AndAfter

Conhecendo Artistas | Araquém Alcântara

2011-04-15T16:08:00.001-03:00

Hoje eu trago pra cá um dos mais conhecidos e respeitados fotógrafos do Brasil, Araquém Alcântara.
Com 59 anos, Araquém nasceu na cidade de Florianópolis, SC. Mas foi em Santos, SP, para onde se mudou quando jovem, que o também jornalista começou sua carreira. Desde 1970, ele tem como um de seus cenários prediletos de trabalho a natureza brasileira.

Um dado muito curioso sobre o fotógrafo é o fato de ele ter documentado todos os parques nacionais do Brasil. O resultado desse trabalho todo nós podemos encontrar no livro “TerraBrasil”, produzido em 1997, e com 80 mil cópias vendidas. Atualmente, a obra está em sua décima primeira edição.

Fotografias de Araquém podem ser encontradas em diversos lugares do mundo como, por exemplo, no Museu do Café, no Japão, Centro Cultural Georges Pompidou, em Paris, Museu Britânico, em Londres, entre outros. Este último o chamou para produzir a capa do livro “Unknow Amazon”, uma exposição sobre etnografia da Amazônica.

Hoje, Alcântara é uma fonte de inspiração para os jovens fotógrafos. O seu currículo é invejável, com 42 livros sobre o assunto, 22 livros em co-autoria, três prêmios internacionais, 32 nacionais e 75 exposições individuais.

A primeira foto

No outro dia uma amiga, Marinilda, mostrava-lhe umas fotos bem comuns, de álbum de família, feitas por uma Yashica muito caseira. Ainda mexido por causa de um filme que assistiu na véspera (A Ilha Nua, de Kaneto Shindo - quase sem história mas com a força e a beleza da pura imagem, a foto como síntese do dizer) que o deixou em transe, tonto e abalroado, ele mal olhou as fotos. pediu a yashica emropestada, comprou três filmes preto e branco e à noite doi para um cabaré do porto onde costumava ouvir bandas de rock e, com sorte, a canja de algum famoso de passagem.
Lá estava ele, a câmara na mão, os dois filmes no bolso. nenhuma técnica na cabeça, nervoso como em toda primeira vez. Mesmo sem coragem para nada, obscuramente sabia que naquala Yashica, naqueles filmes, estava segurando uma vida. Saiu tarde, sem apertar o botão.

No ponto do ônibus, já amanhecia quando uma sas moças do cabaré passou e desafiou:

- Quer fotografar, é? Quer fotografar? Pois então fotografa aqui. - levantou a saia e mostrou o sexo.

Foi sua primeira foto.

Depois disso, não parou mais. As palavras já não serviam, guaguejava nelas. O que interessava eram os livros de fotografias e imagens: Kurosawa, Bergman, Truffaut, Fellini, WElls e os grandes fotógrafos Cartier Bresson, Werner Bischoff, Ansel Adans, Ernest Haas.

Centro de Cultura Estação das Artes

2011-04-14T09:12:00.001-03:00

O Centro de Cultura Estação das Artes juntamente com a Prefeitura de Barra Mansa, através da Fundação de Cultura, convidam para a abertura da Exposição:

(Tr)ação

Daniela Seixas

Jacqueline Siano

Isabel Carneiro

Mariana Katona Leal

Nena Balthar

Curadoria

Carla Hermann

(Tr)ação é um grupo que hesita em se chamar de coletivo – na percepção assumida de que, ao menos por enquanto, este é um vínculo de ideias e não de criações coletivas – e que pretende seguir como rede de discussões acerca dos trabalhos das artistas participantes.

Para todas importam o traço e o gesto, sejam eles praticados com desenhos de lápis em folhas de caderno, percebidos nos deslocamentos dos corpos no espaço ou alcançados através de rasgos e cortes de papel. Trazemos obras que estão em diálogo e tensão com o tempo acelerado do mundo, com o sistema das artes e com a vida.

Carla Hermann

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"(Tr)ação"
Onde: Centro de Cultura Estação das Artes - Barra Mansa
Abertura: 15 de abil às 20h, com apresentação do Proj. Música nas Escolas
Quando: 16 de abril a 15 de maio de 2011
Horário: de segunda a domingo, das 10h às 18h.
Quanto: grátis
Contato: (24) 3323.0496 | estacaodasartes@bol.com.br

Desisti de desistir. Por enquanto.

2011-04-12T12:53:00.000-03:00

Pô, esses dias eu tava puta com um monte de coisas. Chateada com os quatro ônibus que eu pego todos os dias para ir trabalhar, chateada com umas coisas que a gente fica sabendo - e que vc não teve nada a ver com aquilo, mas os outros acham que vc tem e querem te cobrar, chateada com esses homens que aparecem na minha vida só para atrapalhar. Preciso emagrecer uns 10kg, mas depois dos 30 é tudo diferente! O metabolismo muda, seu corpo muda e nada é tão fácil como antes que com uma simples dieta tudo se resolvia. Vou para a academia todos os dias, uma hora de ginástica aeróbica de alto impacto mais exercícios localizados com pesos. Faço isso religiosamente há uns dois meses. Mas ainda não aconteceu muitas mudanças no peso. Algumas medidas diminuíram, de fato. Mas eu preciso de mais, maaaais...
São várias coisinhas pequenas que vão acumulando no dia a dia e que chega uma hora que vc começa a se sentir meio derrotada. Parece que nada acontece. Dá uma vontade de largar tudo, ligar o botão do foda-se! Foda-se a minha saúde, foda-se a estética imposta pela sociedade, foda-se para todos esses imbecis que querem te comer e ir embora. Foda-se maior ainda para todas as pessoas que querem que vc se encaixe em um perfil pré-determinado e que só existe de fato na cabeça delas, mas a gente acaba se enquadrando de uma maneira tão justa que não consegue ficar fora desse perfil.
Eu tava muito chateada mesmo com esse monte de coisas na minha cabeça quando recebi uma mensagem linda que me deu um motivo maior para não desistir nem desanimar das coisas que eu acho que são boas para mim - e não para agradar a alguém, mas para ME agradar.
Por hora estou aliviada e mais centrada em mim e nas minhas escolhas.
Espero que isso dure muito.

Cíntia

Às vezes passamos por momentos que nós mesmos nem sabemos o porque passamos. Às vezes temos vontade de largar tudo. Às vezes estamos revoltados, magoados, alegres, tristes... Mas de repente, sentimos algo dentro de nós que faz pensarmos bem sobre os nossos atos.
Mas cuidado, nunca desista, siga em frente! Saiba escutar. Sabendo ouvir, aprendemos a ter mais amor pela vida e principalmente em DEUS.
Você pode ficar sua vida inteira sem Deus, mas não morra sem Ele. Você pode enganar um ser humano, mas jamais enganará a Deus, Ele é o mais justo dos advogados. Entregue seus problemas a Ele e creia. Tenha fé e, sobretudo, se puder, de coração."

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Museus para o chocolate

2011-04-11T09:14:00.000-03:00

Oi gente! Hj eu trouxe alguns museus de dar água na boca...

Pelo mundo há museus dedicados a todo o tipo de coisa. E sobre o chocolate? Sim, há oito museus espalhados pelo planeta dedicados a essa deliciosa iguaria! Selecionei aqui alguns deles.

1) The Chocolate Museum (St. Stephens, Canadá)

Aberto em 1999, o museu conta a história dos irmãos fundadores da Ganong Bros. Ltd., a mais antiga fabricante de doces do Canadá, fundada em 1873. Além de equipamentos e caixas de chocolates antigos, estão disponíveis aos visitantes computadores com displays interativos e quantidade ilimitada de chocolates gratuitos (essa é a melhor parte, não é mesmo??).
As exposições são bilíngues (inglês e francês) e acessíveis a portadores de cadeiras de rodas.
Acesse o site aqui.

2) Choco-Story, The Chocolate Museum (Bruges, Bélgica)

Quase mil objetos remontam a história da origem e da evolução do chocolate, além de revelarem detalhes do processo de produção e das características típicas do produto na Bélgica.
O museu fica no prédio histórico Huis de Crone, erguido em 1490, e tem unidades em Paris e em Praga.
A visita termina com vídeo e degustação (eba!!) de chocolate. Acesse.

3) Cadbury World (Birmingham, Inglaterra)

Até 2009, 8,5 milhões de pessoas já tinham visitado o museu inglês criado pela empresa Cadbury. Inaugurado em 1990, foi projetado para tour interativo sem guia, cuja duração é de três horas. O amplo espaço tem jogos eletrônicos, painéis sensíveis ao toque, vídeos explicativos com efeitos especiais e 14 zonas com decoração cenográfica (foto). É preciso agendar a visita, e está disponível no site o mapa do visitante, com todas as atrações do Cadbury World.Veja o site clicando aqui.

4) Reino do Chocolate (Gramado, RS)

O passeio pelo museu de 1,6 mil metros quadrados inclui minifábrica de chocolate, "túnel do tempo" com ambientes que contam a história do doce, entre outras atrações interativas. A sala da pirâmide asteca (foto) reconstrói a crença daquele povo no Deus Quetzalcoatl, que teria dado a eles as primeiras sementes de cacau. O museu disponibiliza transporte gratuito do hotel até o local mediante reserva, e o ingresso de entrada, que custa R$ 5, pode ser usado para comprar chocolate na loja. Acesse o site.

5) Hershey's World (Pensilvânia, Estados Unidos)

O museu tem unidades em Nova York, Chicago, Shangai, Dubai e Singapura, mas o Hershey's World na Pensilvânia é o maior e mais antigo museu de chocolate da marca. O tour começa com a colheita do cacau, passa por diversos ambientes tematizados e interativos - alguns com carrinhos -, até chegar ao produto final da Hershey's. O visitante também pode fazer seu próprio chocolate com equipamentos de fábrica e opções variadas de recheios, além de desenhar a embalagem do produto e levá-lo para casa. Veja preços, mais atrações e horários de funcionamento no site da Hershey's. Site do museu aqui.

6) Imhoff Schokoladen Museum (Colônia, Alemanha)

Feito de vidro e metal, o prédio de 1993 foi projetado para parecer um navio ancorado à margem do Reno, próximo à parte antiga da cidade. O Schokoladen Museum, de 4.000 metros quadrados, é um dos 10 museus mais visitados da Alemanha. Na entrada, ele tem uma fonte de chocolate de três metros onde se pode mergulhar waffles e experimentar o doce quente derretido. Na jornada pelos 4.000 anos de chocolate, os turistas podem ver verdadeiras árvores de cacau e as máquinas da fábrica. Entre os destaques, há a exibição televisiva e em pôsteres da trajetória das propagandas de chocolate desde 1926.
Veja o site do museu aqui.

Arte que vem dos céus!

2011-04-08T12:34:00.001-03:00

A chamada Aurora Boreal, no Pólo Norte, e Aurora Austral, no Pólo Sul, são fenômenos visuais observáveis de março a abril e de setembro a outubro. Estes espetáculos naturais de luzes coloridas e brilhantes ocorrem nas regiões de magnetismo mais intenso devido ao choque entre o vento solar e os átomos que constituem a nossa atmosfera. Podem ser vistas a olho nu no final da tarde e à noite também em países mais ao norte da Europa como na Finlândia e Noruega, ou ainda na Nova Zelândia e na Austrália. O fenômeno também é observável em outros planetas do sistema solar como Júpiter, Saturno, Marte e Vênus.
Deixo aqui para o deleite de vcs, algumas imagens lindas de apreciar muitas e muitas vezes!!!

Beijos,
Cintia
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Fonte: Último Segundo

O moderno e a antiguidade

2011-04-07T09:00:00.000-03:00

Renascimento moderno, ou o Clacissismo em versão pop

Artes e ideias

Por Diana Ribeiro, em 3 abr 2011
Via: Obvious

Orlando Bloom, by PSHoudini.

O conhecido site de manipulação e transformação de imagens Worth 1000 apresenta uma nova galeria de fotografias inspirada na pintura renascentista. O desafio foi lançado para vários artistas digitais, com o objetivo de substituir os modelos da antiguidade por celebridades e personalidades da cultura popular atual.

"Modern Renaissance” é um dos projetos de Worth 1000. O site, mundialmente conhecido pela originalidade e ousadia com que apresenta as suas imagens, lançou há vários meses este desafio.

Com a ajuda do programa Photoshop, através do qual se podem realizar manipulações incríveis em qualquer fotografia, vários artistas foram desafiados a usar a imagem de uma celebridade atual em pinturas renascentistas. Ao todo, participaram mais de 60 profissionais, cujo trabalho final resultou numa reinvenção de famosos quadros entre o século XIII e XVII.

Penelope Cruz, by Mandrak.

O movimento Renascentista, que surgiu na região da Toscana (Itália) e que pretendia recuperar a cultura e os ideais clássicos, trouxe não só a criação de extraordinárias obras de arte em várias áreas, como o desenvolvimento de novas técnicas e capacidades por parte dos artistas. Foi nesta época que se afirmaram pintores como Leonardo DaVinci, Rafael, Sandro Boticelli, Pierro della Francesca ou Michelangelo. E foi com algumas das suas mais famosas pinturas que, neste projeto, o moderno se juntou à antiguidade.

Aqui não há mistérios sobre quem será a verdadeira Mona Lisa: a atriz Demi Moore foi quem inspirou Mandrak nesta adaptação. “A dama do arminho”, ou melhor, Cecilia Gallerani, modelo do retrato de DaVinci, foi substituída por Amy Winehouse. Esta talvez seja uma das raras ocasiões em que vemos a cantora "tão composta".

George Clooney encarnou, pelas mãos de Kat Stevens, o retrato do Papa Inocêncio X, de Diego Velazquez (acima). Jennifer Love Hewitt tomou o lugar de Scarlett Johannson, que por sua vez já tinha sido no cinema a “Rapariga com brinco de pérola” de Vermmeer. O ator Jim Carey assumiu a figura central de “A criação de Adão”, de Michelangelo, e o cantor Jim Morrison a de “Cristo Abençoador”, de Rafael. Dê uma olhada no site, onde poderá ver muitas outras versões deste e de outros projetos sensacionais.

Johnny Deep, por Steve RS.

Keanu Reeves representa o Deus Baco - tela originalmente pintada por Caravaggio.

Aqui, a Mona Lisa é Demi Moore. E ponto final.

No site, vc poderá ver outras celebridades devidamente aplicadas em famosas obras que valem uma espiada. Silvester Stallone, Madonna, Ben Afleck, Bruce Willis, Angelina Jolie entre outros. Acesse aqui e divirta-se!!!!

Amy Winehouse encarna a "Dama com Arminho" de Leonardo daVinci.

Björk e sua arte

2011-04-06T07:11:00.001-03:00

To aprendendo a ouvir e curtir esse som. É confuso, mas é bom.
Mas que ela não deixa de ser uma grande artista, isso é verdade!!!!
Cintia
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Björk é um exemplo de cantores que se preocupam com seus videoclipes não apenas como uma divulgação comercial, mas realmente como obras de arte. E no caso de "All is Full of Love", isso toma proporções literais.

"All is Full of Love" foi o último e mais popular single do álbum Homogenic. E mais confuso. Pra entender um pouco, vamos ao conceito de single. Antigamente, na época dos LPs, os artistas lançavam álbuns completos em LP (Long Play), compilações com menos músicas em EPs (Extended Play) e as músicas de trabalho, geralmente só as que as pessoas queriam adiquirir, em Singles. Eram como os compactos no Brasil, no Lado A a música original e um remix, e do Lado B (o famoso B-side) uma música que não tenha entrado no álbum mas que era boa demais pra se deixar de lado, além de um Acapella para os DJs.

Björk lançou o "All is Full of Love" com a Versão Original, e outros remix. Mas no CD Homogenic a música era um remix de Howie B. O original no single e o remix no álbum? É. Confuso? É? Mas lembre de que estamos falando da Björk. A versão original é usada no clipe, e diga-se de passagem, muito mais tocante que a do álbum.

Pois bem, a música fala de como o amor está presente ao redor e dentro de nós, mesmo que não o aceitemos ou não possamos enxergá-lo. Björk a compôs num passeio pelo jardim após uma forte chuva, quando ela lembrou das histórias Vikings. Mesmo após toda a guerra e catástrofe, tudo se enchia de amor. Pra transcrever todo o lirismo da música em linguagem audiovisual, Björk chamou Chris Cunningham, diretor de videoclipes, videoarte e comerciais.

Ao ouvir a faixa pela primeira vez, ele escreveu em um papel "Sexual, Leite, Porcelana Branca, Cirurgia". Segundo o diretor, ele colocou no clipe coisas que rondavam a adolescência, como robôs e pornografia. Björk concordou com a ideia imediatamente, pois havia chegado em Londres com um livro de Kama Sutra, servindo de referência para o clipe.

Tudo começa no escuro, com as luzes acendendo gradativamente. Numa mesa, um robô com o rosto da cantora está deitado, recebendo manutenção de braços robóticos. Enquanto canta, outro robô, idêntico, a acompanha na música.

No ponto alto, quando a música se torna cheia de sons não simétricos, caóticos e extremamente delicados, as duas começam a se beijar intensamente. Os sons de harpa se misturam com os ruídos industriais, construindo uma atmosfera dúbia: amor x artificialidade, harpas x ruídos, claro x escuro. Poesia jorrando entre efeitos hi-tech e a intensidade de Björk.

Para executar o clipe, Chris usou unicamente robôs em tamanho real (o clipe é de 1997). A cabeça da réplica foi desprezada. Gravaram Björk cantando na mesmpa posição das peças.

Com edição de vídeo e CGI, criaram a cabeça robótica e utilizaram somente a boca e os olhos da cantora.

Para os braços robóticos foram criadas animações 3D. Essa mistura de 2D com 3D, real e edição constroem ainda a linguagem dualista. Você não sabe definir exatamente o que é real ou não!

O video foi indicado a vários prêmios, incluindo o Grammy de melhor Curta. Ganhou o VMA. Para completar (o que disse sobre ser uma obra de arte) o clipe está em exposição permanente no Museu de Arte Moderna de Nova York.

Outra polêmica foi o filme "Eu, Robô". Os andróides do filme, de 2004, são incrivelmente parecidos com os do clipe, de 1997. Chris Cunningham não se pronunciou sobre, mas todos comentaram a incrível semelhança. O site Low Culture fez um lado-a-lado das semelhanças:

O Amor e a poesia estão em todo lugar. Você consegue sentir?

Por: Julio - Metheoro.net
Link da postagem

Cana Café Suor

2011-04-05T07:53:00.001-03:00

O Centro de Cultura Fazenda da Posse juntamente com a Prefeitura de Barra Mansa através da Fundação de Cultura e o Sistema Firjan através do SESI Barra Mansa convidam para a exposição CANA CAFÉ SUOR no dia 06 de abril às 20h.

A exposição conta com a pesquisa e organização de Ana Ana Maria Bastos Seraphim, que apresenta aspectos relevantes da colonização do Vale do Paraíba Fluminense, fruto de muito trabalho, suor e ousadia dos pioneiros que se instalaram na região – fazendeiros, sitiantes, pequenos comerciantes e principalmente escravos, a força motriz desse grande empreendimento coletivo.

As imagens apresentadas na exposição são do século XIX, dos artistas: Jean-Baptiste Debret, Johann Moritz Rugendas, Christiano Jr., Victor Frond e Rafael Falco.

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"Cana Café Suor"
Onde: Centrio de Cultura Fazenda da Posse, Barra Mansa.
Quando: 06 de abril de 2011 - 20h (abertura)
Horário: de quarta a domingo, das 11h às 17h.
Quanto: grátis
Contato: (24) 3322 – 3855 / fazendadaposse@uol.com.br

Café, Cachaça e Chorinho 2011

2011-04-03T13:43:00.000-03:00

Choro brasileiro e gastronomia no cenário das fazendas do século XIX. É nesse cenário que acontece o tão esperado evento que enche de alegria o Vale do Paraíba: "Café, Cachaça e Chorinho".

O circuito de outono é uma viagem nos cenários histórico-culturais das fazendas de café e vilas do século XIX para descobrir os encantos do Vale do Café com sua arquitetura, costumes, gastronomia, música, folclore e artesanato. O eventro acontece simultaneamente em Barra do Piraí - Ipiabas, Barra Mansa, Engenheiro Paulo de Frontin, Mendes, Miguel Pereira, Paty do Alferes, Piraí, Valença - Conservatória e Vassouras. Cada cidade apresenta uma programação ligada ao tema e mostra toda sua hospitalidade e cultura.

Vale a pena acessar o site do evento e consultar a programação de cada cidade. Além de conhecer mais sobre a festa, vc vai navegando embalado ao som de um choro delicioso de Carlos Henrique, do grupo Vale dos Tambores, um dos grandes compositores de choro da região. A música "Jogueiro" ao mesmo tempo em que devolve a homenagem aos mantenedores de uma cultura que atravessou todo o Ciclo do Café no Vale, compreende que os mesmos tiveram participação fundamental na construção da linguagem do choro brasileiro, pois esses jongueiros que cantavam e dançavam o jongo em torno da Bacia do Paraíba, eram os mesmos que formavam as famosas bandas de escravos que tiveram no vale a sua mais extensa representatividade.

Fazenda do Arvoredo - Barra do Piraí

É nesse clima que vai acontecendo a festa, cheia de detalhes, histórias, curiosidades e diversão. Os visitantes vão poder encontrar além de um excelente clima, um verdadeiro passeio pela história do estado do Rio de janeiro, com sua suntuosa arquitetura rural do Ciclo do café. São casarões, fazendas, senzalas, um patrimônio cultural riquíssimo que vale a pena ser visitado e explorado. Isso sem falar na exuberância da mata Atlântica emoldurando todo esse cenário.

Fazenda Bocaina - estrada Barra Mansa - Bananal

Mais informações: Café Cachaça e Chorinho 2011

Rodeio? Não, obrigada.

2011-03-30T12:56:00.000-03:00

RODEIO NÃO!

Por: Giovana Damaceno, jornalista.

“Esta semana minha cidade mais uma vez vai sediar um espetáculo odioso. Touros e cavalos serão empurrados à arena, submetidos às práticas das mais cruéis, para corcovearem enquanto são montados por peões corajosos, sob os aplausos de uma plateia insana. Isto se chama rodeio. Um show de atrocidades ainda chamado de esporte, que felizmente, porém aos poucos, vai sendo proibido por lei em diversas cidades brasileiras. Até nos Estados Unidos, seu país de origem, já há cidades que baniram os rodeios.

Aqui no Brasil, este tipo de divertimento dos peões começou por volta da década de 50, justamente durante o trabalho de doma de touros bravos. Nos anos 60 os peões já haviam se transformado em competidores e corriam as cidades atrás de prêmios em dinheiro. Hoje os espetáculos de rodeios rendem milhares de reais e de dólares em festas de boiadeiros realizadas pelo interior do país, com tradição pecuarista. E Volta Redonda, mesmo sendo uma cidade de origem operária, recebe anualmente uma companhia que expõe os animais ao sofrimento e à humilhação, em troca de muito dinheiro, não só da exploração na arena, mas também dos shows musicais contratados para animar o que não tem graça nenhuma.

Quem promove este circo de horrores, por conta de interesses financeiros, defende-se de várias formas, argumentando que os animais são bem tratados, porque são as verdadeiras estrelas do espetáculo. Porém, fotos e vídeos feitos em rodeios por este país afora nos provam o contrário. Bois e cavalos são submetidos a choques elétricos; introdução de objetos perfurantes no ânus; ferimentos no dorso feitos com agulhas, pregos e anzóis; terebentina, pimenta e outras substâncias abrasivas são introduzidas no corpo do animal antes que sejam colocados na arena, para que fiquem enfurecidos e saltem; e muitos deles ainda passam pela descorna, na qual o chifre é aparado com um serrote, sem anestésico. Diversos laudos oficiais atestam o sofrimento e os maus tratos infligidos aos touros em variadas práticas, destacando-se os emitidos pela Faculdade de Medicina Veterinária e Zootecnia da USP e do Instituto de Criminalística do Rio de Janeiro.

Impossível virar as costas e ignorar a irresponsabilidade do poder público municipal em sediar, patrocinar, apoiar, promover este tipo de espetáculo na cidade. Não estamos mais na antiguidade quando homens e animais eram jogados nas arenas para morrerem sob a aprovação fanática da turba sedenta de sangue. Estamos no século 21. Não precisamos mais deste tipo de prática primitivista”.

Gostou? Divulgue essa causa!
Acesse o site: Eu Odeio Rodeio

Eunice Nazário na Fazenda da Posse

2011-02-28T12:47:00.000-03:00

Eunice Nazário é uma artista plástica renomada na região Sul Fluminense. Ela não só participa de espaços de arte, como também não abre mão de estar presente em seminários, encontros e debates promovidos por movimentos sociais, principalmente aqueles relativos aos povos indígenas, mulheres, crianças e adolescentes e negros.
Artista Plástica e escultora, suas obras se caracterizam pela preocupação com questões sociais, em especial com as desigualdades de oportunidades, de tratamento e com a discriminação de um modo geral. Sua especificidade é o povo negro e os nativos. Seu trabalho se desenvolveu a partir de um perfil autodidata e de muita pesquisa e persistência, refletindo sua reflexão subjetiva e social.
Como artista, Eunice procura transmitir através de suas obras, as preocupações sociais e provocar inquietações e questionamentos. Pretende assim contribuir para a reflexão de que mudanças positivas são possíveis, com um mundo melhor e mais igualitário, sem distinção de cor, credo e gênero.
Uma exposição muito interessante e que vale a pena visitar!

Beijos
Cintia
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O ateliê contemporâneo está em todos os lugares: na escola, na casa, no campo, no barco, sob uma árvore. O que mais importa a este espaço é a imantação, os fenômenos agregados a este lugar dia após dia. Sensações e situações que criam atmosferas propícias ao pensamento estético, criatividade, imaginação; que provocam o pensar e o olhar de uma forma mais sensível.

Assim é o ateliê de Eunice Nazário. E é com este pensamento que o curador Ayrton Junior traz ao Centro de Cultura Fazenda da Posse um fragmento, ou talvez o todo deste espaço, imantado e repleto de significações.

Entre acúmulos de objetos achados e outros cedidos por conhecidos e desconhecidos, o atelier se apresenta como um todo de informações que falam por si. Estão lá objetos atraídos pela afetividade de Eunice e aproximados uns dos outros por critérios determinados pela própria artista, nascidos de sua vivência, suas experiências.

Para seu trabalho em arte, podemos destacar os conceitos de imantação e acúmulo, além de escultura social. Parece ser, portanto, as imantações que norteiam determinantemente o percurso criativo desta artista. A partir de seu discurso ela cria em seu entorno uma situação estética nova, provocativa aos sentidos. Imanta e acumula.

A presente exposição consiste, na medida do possível, na transposição do ambiente constituído por Eunice Nazário em seu atelier para o Centro de Cultura Fazenda da Posse. O último conceito a ser associado, para melhor entendimento, à obra de Eunice seria o do discurso social, cunhado por Joseph Beyus, artista europeu com atuação no século passado, que sugere uma expansão do conceito de arte, desde a organização do pensamento ao processo de criação, base primeira da ideia de escultura.

Ayrton Ferreira da Costa Júnior
[Curador de Artes, Arte-educador (especialista em Ensino da Arte – Estética Moderna e Contemporânea) e
especializando em Gestão Cultural.]

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"Eunice Nazário - esculturas, imantações e acúmulos."
Onde: Centrio de Cultura Fazenda da Posse, Barra Mansa.
Quando: de 03 a 30 de março de 2011
Horário: de quarta a domingo, das 11h às 17h.
Quanto: grátis
Contato: (24) 3322 – 3855 / fazendadaposse@uol.com.br

Arte digital - human flowers

2011-02-24T12:42:00.000-03:00

É isso que acontece quando junta fotografia, photoshop, muita criatividade e bom gosto!

Imagens belíssimas e interessantes! Não sei o autor...

Beijos

Cintia

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Reforma do Palácio Guanabara

2011-02-16T09:44:00.000-02:00

Foto: Luiza Reis-11.fev.2011/Governo do Rio de Janeiro.

Semana passada criei uma postagem sobre os azulejos de Portugal e agora eles voltam a ser assunto aqui no blog. É que está acontecendo uma reforma no Palácio Guanabara, sede do governo no Rio de Janeiro, desde de 2009 e agora, debaixo de algumas camadas de cimento, foram encontrados azulejos do século 19 e pisos da época da escravatura, período em que a princesa Isabel viveu na mansão em estilo neoclássico.
Todo material encontrado está sendo cuidadosamente restaurado e peças poderão ser vistas pelo público quando o Palácio for reaberto, após o restauro, em julho deste ano.
O palacete instalado no bairro das Laranjeiras, na zona sul da cidade, foi um presente de casamento do imperador Pedro II para a princesa.

Foto: Luiza Reis-11.fev.2011/Governo do Rio de Janeiro.

Quem passa em frente ao local já pode perceber as primeiras mudanças. Depois de vários anos pintado de branco com detalhes em cinza, ele voltou ao seu tom original: o ocre.
Toda a parte elétrica e hidráulica também estão sendo refeita. Antes os salões ficavam cheios de divisórias, com uma enormidade de fios embaralhados pelo chão.
Cerca de cem especialistas trabalham na restauração do Palácio. Desde 1889, quando deixou de ser o Paço Isabel e passou a ser chamado de Palácio Guanabara, esta é a quinta vez que é reformado.

♦ Curiosidade: 'Reforma' pretende alterar o visual do objeto ao contrário da 'Restauração', que tem por objetivo resgatar a aparência original. Nesse caso, acontece os dois, pois parte do Palácio será restaurado e parte modificado - como no caso das instalações elétricas e hidráulicas que serão modernizadas.

Fonte: Folha / Cotidiano

Thomas Farkas

2011-02-10T11:22:00.000-02:00

Thomas Farkas: um grande mestre da fotografia! Estudei rapidamente sobre a biografia dele na faculdade, com a professora Cristine Borovsky - outra grande artista em se tratando de fotografias.
O Inst. Moreira Sales, em São Paulo, está com uma exposição sobre Farkas com uma restrospectiva do trabalho do mestre húngaro, que escolheu o Brasil para se naturalizar.
A família de Farkas fundou a Fotoptica, que muita gente deve conhecer. Lá em casa, durante muito tempo, só revelávamos nossas fotografias pelo correio com eles e as fotos sempre chegavam lindas e bem embaladas, com todo cuidado.
Quem tiver a chance de ir visitar, vai encontrar imagens belíssimas e de grande teor poético.

Beijos
Cintia
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Thomaz Farkas – uma antologia pessoal
Por Anapaula Zigolio, do blog Mona Dorf - IG Cultura
Link da matéria
Fotos: Google

O Instituto Moreira Salles – São Paulo, traz a maior retrospectiva dedicada à obra do consagrado fotógrafo, com cerca de 100 imagens, parte delas inéditas. Húngaro, naturalizado brasileiro, Thomas Farkas teve seu acervo vasculhado durante dois anos pelos seus filhos, o diretor de cinema João e o designer gráfico Kiko Farkas, em conjunto com o IMS, que hoje preserva sua obra fotográfica.

O passeio por sua incrível trajetória rendeu, além da exposição, o livro, Thomaz Farkas – Uma antologia pessoal, do tipo coffee-table com 140 imagens e texto do filho: ” O pai que fui descobrindo era um apaixonado pelo Brasil, sua gente, sua música e manifestações culturais: da cachaça à arquitetura modernista, do samba à cozinha rústica nordestina “, escreve João Farkas, na introdução do livro, para completar que o pai transitava sem nenhum preconceito entra a mais antenada visão de mundo e as mais profundas tradições populares.

Na retrospectiva, imagens produzidas a partir da década de 1940, época em que Farkas se associa ao Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB), local de debate sobre a atividade fotográfica, frequentado também por Geraldo de Barros e e outros fotógrafos atuantes como José Yalenti, José A. Vergareche, German Lorca, formadores da fotografia moderna brasileira afinados com as vanguardas europeias e norte-americanas, os membros do clube buscavam uma estética, novos temas, enquadramentos e pontos de vista.

Na mostra, fotografias com uma abordagem mais humanista, que se aproximam do fotojornalismo, como as séries sobre o Rio de Janeiro onde são retrados moradores de bairros populares e centro histórico da então capital federal. Também presentes, imagens coloridas, datadas de 1975, feitas parte durante uma expedição científica ao Amazonas e a Salvador.

Thomaz Farkas

Thomaz Farkas é um dos grandes expoentes da fotografia moderna no Brasil. Sua família fundou a Fotoptica, empresa pioneira no comercio de equipamentos fotográficos no Brasil.

Aos oito anos de idade, em 1932, ganha de seu pai a primeira câmera fotográfica e durante os dez anos seguintes, começa a experimentar com seu brinquedo: fotografa família, animais domésticos, o grupo de amigos de bicicleta, fatos relevantes como a passagem do Zeppelin e a construção do estádio do Pacaembu

Pioneiro, Farkas estabeleceu contato com o fotógrafo Edward Weston, na Califórnia, e o curador de fotografia do Museu de Arte Moderna (MoMA), em Nova York, Edward Steichen. A pedido de Pietro Maria Bardi, montou o laboratório fotográfico do MAM/SP, junto com Geraldo de Barros.

Documentou como Marcel Gautherot e outros fotógrafos a construção de Brasília. A linguagem e abordagem é a fotografia documental, o fotojornalismo que pautaria nas décadas de 1960 e 1970, a Caravana Farkas de documentários sobre o Brasil profundo e a série em cores sobre a Amazônia e Nordeste (Notas de viagem).
Em 2005, a Pinacoteca do Estado de São Paulo - Pesp inaugurou a exposição "Brasil e Brasileiros no Olhar de Thomaz Farkas", que apresentou, pela primeira vez, essas imagens.

Capa do livro de fotografias "Notas de Viagem"

Palestras

Começa no dia 12 de fevereiro, às 11h30, uma série de encontros sobre fotografia. Eles vão acontecer uma vez por mês (sempre aos sábados) na loja do Instituto Moreira Salles por Livraria Cultura, com a participação de convidados. Na estreia, o fotógrafo Cristiano Mascaro bate-papo com o coordenador de fotografia do IMS, Sergio Burgi.

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"Thomaz Farkas: uma antologia pessoal"
Onde: Instituto Moreira Salles – São Paulo. Rua Piauí, 844, 1° andar, Higienópolis.
Quando: até 03 de abril de 2011
Horário: de terça a sexta-feira, das 13h às 19h; sáb e dom, das 13h às 18h.
Quanto: grátis